美术学 论文

中西比较美术学与族群关系尽管中西比较美术学属于一项跨越国别或跨民族的美术研究，它所涉及的基本上是不同国家或不同民族美术之间的视域关系，但是，这里我们还是要求探讨和研究一国之内的族群美术的问题。

族群美术涉及到一国之内的地域美术问题（虽然族群美术有时并不等同于地域美术，但很多情况下族群美术与地域美术有直接的联系），在人们的心里，地域往往就是族群这样一个概念，譬如说到我国广西这个地域，人们往往立即就会想到壮族这个族群，同时人们还会联想到族群美术是处于一个疏离中心的边远地域的群体美术。而实际上，族群美术也是处于边缘状态的，与中心的主流美术存在着较大的差异。

它们或者被忽视，或者隔绝而封闭，或者有被同化的可能。当然在今天开放的文化语境下，族群美术这个区域性很强的美术文化形态，往往与中心的主流美术发生联系，即相互交流而发生影响。

不仅如此，一国之内的族群美术在中西比较美术中，很有可能与其他国家的主流美术或族群美术发生联系，或作为族群美术的类别，可能有某种相似或相近的现象。要深入研究族群美术就应该从跨越不同文化圈的跨视域入手，进行跨视域研究，这是中西比较美术学的基本任务之一。

一、族群与民族族群虽然不一定指少数民族，但大凡有相同的意识、观念、行为举止和谈论（不一定是“语言”）这样一个自足的群体，也可以看作是族群。比如现在北京郊区的“画家村”以及其他地方的画家村这样的群体等。

19世纪的法国“巴比松”画家村，形成了欧洲美术史上的巴比松风格。但“画家村”这样的族群并不稳定，经常更换成员。

所以我们这里的族群还是指在历史中长期形成了共同语言、文化、行为方式、风俗习惯、信仰等稳定的群体。族群（Ethnicgroup）与民族（Nation）的概念在很长的时间里处于混淆使用的状态，很多时候用“民族”替代“族群”，尤其是在政治术语中常常这样。

这自然与当初中国接受西方人类学概念和政体有关，也与当初的翻译有关。“族群”与“民族”应该有自己的内涵特征而彰显自己的意义。

族群多是从文化的内涵体现自己的群体意义，指的是一个具有语言、行为举止等相同文化的群体，譬如彝族、羌族、藏族等；而民族多是从政体的内涵体现一个国别意义，譬如“中华民族”实际上是指中国这个国家，是一个政治实体。因而纳日碧力戈认为：族群是“情感—文化共同体”，民族是“情感—政治共同体”。

[1](p179)为此，我国人类学家从学术层面开始梳理二者之间的关系，以便在学术层面科学化。在翻译方面，一般都把“Nation”译为“国家”，与“State”相呼应。

实际上“nation是一国之内的族群所组成的国民群体”，而stat“e指有主权政治的地理单位”。“现今的国家，都是m ulti-ethnicnation，即多元族群/民族的国家。

将民族译成nation会产生误会。”[1](p179-180)人类学家的研究表明“，一个民族可能是几个族群合成的”。

[1](p180)中华民族就是56个族群合成的。随着“民族”概念的使用，现在很多学者开始意识到了其与国家具有相同的对称关系。

在比较*文学中，很多学者就提出了用“跨民族”来代替“跨国别”的研究方法。譬如杨乃桥主编的《比较文学概论》，陈、孙景尧、谢天振主编的《比较文学》以及吴家荣主编的《比较文学新编》等，①无一不受到人类学家对国家和民族观念与范畴界说的影响。

在学术层面上，学界普遍把使用“民族”同“国家”作为具有相同的对称的关系。那么我们在使用民族这个概念的时候，就必须注意“民族”与“族群”的区别而不能混用。

另外，我国现在对国内的其他族群，依然使用的是“少数民族”的术语，这仍然是从一个国家的政治视角出发的，并非学术层面的视角。我们在这里所论及的“族群”和“民族”是学术层面的，是基于人类学的学术层面而非政治的视角，二者之间是有区别的。

所以，我们运用的“族群美术”从学术层面讲是与“民族美术”概念有区别的。为此，我们在中西比较美术学的研究中，吸取他人之长，借用人类学家对族群和民族的观念与用法，这对我们梳理、理解、分析和研究国别美术与族群美术具有十分重要的借鉴意义。

首先我们看看人类学家对“族群”基本概念的认定。埃弗雷·休斯认为族群“是因为群体内的人们和群体外的人们知道他是一个族群；因为群体内部的和群体外部的人在谈论、感觉和举止上似乎觉得他们是个个别的群体。”

[1](p177)这里我们需要注意的是，休斯把族群中的共同谈论（实际上我们也可以理解为是语言）、感觉和举止等方面的一个共同文化心理外显的现象与其他的族群在此方面的区别或不同，来作为族群的界定。也就是说，我们必须把“谈论“”感觉”和“举止”看作是文化积淀的因素，是文化的外在显现。

族群显现的是具有一个共同的文化与心理的群体，即以共同的文化情感为枢纽的群体，这就是族群。因而“族群是指有共同的意识的‘同一种人’的集团”“，是与一国之内其他族群相对立的群体”。

[1](p177)这个观念明确了族群的界定与划分。民族与族群不同，民族带有更大的政治性质的特征或意义。

当然我们并不否认。

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向艺术更进进一步

通过对西方美术史的学习，我可以解决一些艺术方面的问题。

首先是艺术究竟为了什么？

艺术的性质，古来说者不一，亚理士多德说"艺术是模仿自然"，这话现在已不能完全成立。尽管艺术需用自然的材料借以表现，或者取自然的现象做象征，取自然的形体做描写的对象，但他决不是一味的模仿自然。

有人说艺术就是"人类的一种创造技能，创造出一种具体的客观的感觉中的对象，这个对象能引起我们精神界的快乐，并且有悠久的价值"。这是就客观方面言.。若就主观方面，艺术就是艺术家理想情感的具体化，客观化，即所谓自己表现。所以艺术的目的并不是在实用，乃是在纯洁的精神的快乐，艺术的起源并不是理性知识的构造，乃是一个民族精神或一个天才底自然冲动的创作。他处处表现民族性或个性。艺术创造的能力乃是根于天成，虽能受理性学识的指导与扩充，但不是专由学术所能造成或完满的。艺术的源泉是一种极强烈深浓的，不可遏止的情绪，挟着超越寻常的想像能力。这种由人性最深处发生的情感，刺激着那想像能力到不思议的强度，引导着他直觉到普通理性所不能概括的境界，在这一刹那间产生的许多复杂的感想情绪底联络组织，便成了一个艺术创作的基础。

再次是美学与艺术的关系

雨果说过：“没有艺术，人类生活便会黯然失色。”席勒动情地呼唤过：“啊！人类有你才有艺术。“人人都神往艺术，向往他那种艺术美的感受，正是如此，人们需要真正的艺术家来创造艺术美。而艺术需要现实生活，需要艺术家的创造，没有这些又何来艺术美呢？美术中的艺术美，离不开美术作品，艺术美指的就是美术作品中的美，是由创作主体的审美认识而产生的按照美的规律、并为着美的目的而创造的事物的美。因此，艺术作品的艺术美也是真、善、美的统一。

“任何事物，凡是我们在那里面看得见依照我们的理解就当如此的生活，那就是美的；任何东西，凡是显示出生活或使我们想起生活的，那就是美的，”。如果说成“一件事物如果能够完全表现出该事物的观念来，它就是美的，”也就是说，“凡是出类拔革的东西，在同类中无与伦比的东西，就是美的。” 这种说法显然是不准确的。一件东西必须出类拔萃，方才称得上美，这是千真万确的。比方，一座森林可能是美的，但它必须是“好的”森林，树木高大，矗立而茂密，一句话，一座出色的森林，布满残枝断梗，树木枯萎、低矮而又疏落的森林是不能算美的。但并非所有出类拔草的东西都是美的，沼泽在它的同类中愈好，从美学方面来看就愈丑 。 尽管 “美”不完全等于艺术，但艺术必须是“美”，中外美学史和群众的审美实践表明，作为意识形态的艺术，虽不是美学的唯一对象，却是美学的重要的对象，艺术的门类众多。但就艺术与生活，创作动机与艺术效果、审美对象与审美主体的关系等方面来说它们之间具着互相一致的共同本质。

还有艺术与科学的问题， 艺术与科学的关系问题是一个古老而年轻的话题，在此，最具说服力的就是西方的文艺复兴了.无论是中国古代 “六艺” 之内涵，还是古希腊的“艺术”概念，都深刻体现出艺术与科学技术之间的密切关系。古希腊人把能够凭专门知识学会的技能都叫“艺术”，音乐、雕刻、绘画、诗歌是艺术，手工业、农业、医药、骑射、烹调之类也叫艺术。这种艺术与科学技术相统一的“艺术”观念到欧洲文艺复兴时期达到了顶峰，而文艺复兴科学、文化、艺术的发展也是人类文明史上最辉煌的时期。达·芬奇、米开朗基罗、丢勒等不但是艺术家，也是科学家、工程师，他们创造了卓越的艺术作品，同时在科学发展、技术发明上也取得了巨大成就。艺术与科学作为人类文化的两翼，人们一直在探讨它们之间的关系。爱因斯坦说：“真正的科学和真正的音乐需要同样的思维过程。”艺术与科学的关系曾经是非常密切的，它们的分离是工业革命前后的事情，这与科学技术的发展和深化，各种职业化行为的出现有着密切关系。但二者的有机结合对艺术和科学的发展是大有益处的，文艺复兴时期的科学文化成就，就是艺术与科学相互融合共同发展的最佳体现，可见艺术与科学是息息相通的，

以上的三点是我由这期课而产生的一点思考和收获，当然其实远不止这些，但重要的还是可以用理论知识回答和解决一些实际生活中的问题。

总之，对西方美术史的学习使我的知识面更加开阔，所了解的东西更多了

美术鉴赏论文1000到1500字,急求

谈美术鉴赏课在高校素质教育中的作用 摘要：美术鉴赏课是高校为加强素质教育、提高学生艺术修养而开设的一门公共艺术选修课。

美术鉴赏课在培养学生审美能力和强化学生美术素质上，有着不容忽视的作用，在培养学生创新精神的过程中同样具有重要的地位和作用。高校美术鉴赏课的开设，进一步促进了大学生的自由和谐发展。

关键词：美术鉴赏 高校 素质教育 作用 随着教育体制的深化改革和社会主义市场经济体制的逐步确立，美术鉴赏课逐渐融传授知识、培养能力、提高素质为一体。美术鉴赏课在高校的开设，进一步促进了大学生的自由和谐发展，为造就合格的人才服务。

那么，美术鉴赏课对大学生的全面而深刻的影响体现在哪些方面呢？笔者认为表现在以下几方面： 一、以美引善 蔡元培先生大力提倡“以美育代宗教”，就是因为作为“美育”的重要载体之一的美术有辅助道德进步的教育功能。大学生的思想品德不是先天具有的，也不是后天自发形成的，而是在社会、家庭，特别是在学校教育中形成和发展起来的。

美术鉴赏课就是学校的教育课程之一。 人的道德理想、道德认识、道德情感、道德行为建立在审美的基础之上，并以美作为追求的价值取向。

在思想道德素质养成过程中，美术鉴赏课把中外美术精品直接呈现给广大学生，使他们产生“直观”的美感。“审美带有令人解放的性质”（黑格尔语），能使人的主体性得到美的提升，前苏联教育家霍姆林斯基说过：“美是人的道德财富的源泉。”

高校的美术鉴赏课是普通美术教育工作在高校的一种延续，是一种富有强烈艺术感染力的审美教育。这种审美教育是通过鉴赏美术作品的意境、线条、色彩、构图、肌理、空间及作者创作背景等完成的，它可以把高度发展的社会理性转化为直观的、生动的感性形式，其中蕴含的政治思想内容、伦理道德内涵，均使受教育者在提高审美感受、表现能力的同时，心灵得到净化，道德情操得到升华，从而达到崇高的精神境界。

生动的艺术形象和直观的构思，给青年学生以启迪、以感动，从美术作品中感受到美，精神上获得愉悦和满足，同时也在潜移默化中获取了很多人文知识，接受了思想道德教育，人的身心得以全面和谐的发展。 二、以美启真 素质教育应以培养学生的创新精神为重点。

美术鉴赏课可以使学生以愉快的心理体验展开想象，现代心理学揭示，兴趣和愉快的心情可以为复杂繁重的智力活动提供最佳的情绪背景。好的美术作品，可以充分发挥学生丰富的想象力。

爱因斯坦曾说过，想象力比知识更重要，因为知识是有限的，而想象力概括着世界上的一切，推动着进步，并且是知识进化的源泉。美术鉴赏可以使学生感知、注意、记忆联想、幻想、创造等思维能力得到发展。

通过作品的鉴赏，可以提高学生的视觉感知能力，对各种色彩的象征义和引申义的理解会更加敏锐、协调，可以这样认为，美术鉴赏具有启迪智慧的作用。 美术鉴赏的过程是一种视觉思维的过程，也是鉴赏者审美创造的过程。

它是鉴赏者通过对艺术家创造的艺术品的感受、想象、体验、理解和鉴别等一系列视觉思维活动，通过对艺术作品的欣赏，从而达到开阔视野、扩大认知领域，提高艺术素养和审美能力的目的。在美术鉴赏过程中，由于鉴赏者面对的是富于启发性的典型视觉形象，所以会自然地唤起种种有关的联想和想象。

在联想和想象的作用下，通过特定艺术形象可以感知和认识更为丰富的内容。中国古代诗论中就有“象外之象，景外之景”之说，宋代诗人梅尧臣要求“作者得于心，览者会以意”。

中国画的留白处理，正是留给鉴赏者想象的空间，这是鉴赏者对艺术作品再创造的过程。艺术作品不管表现得多么完整、具体，都留有广大的想象空间，这些空间需要鉴赏者通过联想和想象去丰富和发展，使鉴赏者形象思维能力得到进一步的培养与提高。

美术鉴赏与美术创作一样，都是一个创造的过程，因此，鉴赏过程也是培养鉴赏者创造力的过程。 创造力的培养是素质教育的核心，美术鉴赏正适合这种创造心理的培养，尤其在美术鉴赏过程中对作品的色彩、比例、空间、节奏等视觉思维的训练，能在潜移默化中帮助学生开拓视野，培养学生具有丰富的空间想象力，开启思维的深度和广度。

三、以美怡情 身心素质包括体质、体能教育和心理教育。 首先，美术鉴赏对学生身体素质的提高大有裨益。

如古希腊雕塑《掷铁饼者》就是力量与健美的和谐统一，这表明体质体能的发展过程就是按照美的原则、美的规律塑造美、追求美。在对《掷铁饼者》深入分析、鉴赏并进一步了解作品来龙去脉的同时，还能以健康的美感引发学生强健体魄的自觉性。

如鉴赏古希腊雕塑《米洛斯的维纳斯》时，引导学生围绕人体美的标准进行讨论，通过美术鉴赏课帮助学生认识美的时代性、阶级性和多层次性，并转而欣赏“维纳斯”的古典、和谐、健康、自然之美。 其次，美术鉴赏对学生健全心理素质也是至关重要的。

美术鉴赏课对学生进行心理素质教育的进程中，首先要培养学生的爱美心理，使他们对美有一个正确的认识和概念，学会欣赏美、鉴赏美、表现美。优秀的美术作品都是作者对自然。

美术毕业论文 火急

这有一篇，，，， 浅析工业设计专业的美术教学 【论文摘要】文章论述了如何通过美术教学加强美术技能训练，增强学生的创造性思维训练，开发工业设计专业学生的智能，提高审美和绘画能力，为他们今后进行产品设计打下良好基础。

工业设计是一门发展迅速的新兴学科，隶属于艺术设计学。它将科学与艺术相结合，其核心是对工业产品的功能、材料、构造、形态、色彩、表面处理、装饰等要素从社会的、经济的、技术的、审美的角度进行综合处理。

既要符合人们对产品物质功能的要求，又要满足人们审美情趣的需要，还要考虑经济等方面的因素。工业设计的这些特性，就要求工业设计人员应具有敏锐的观察能力，发明创造能力，对产品美学功能的鉴赏力，对设计构想的表达能力，以及审美性的表现能力，这样才能更好进行产品设计。

美术教学是培养工业设计人员具备完美的设计构想的表达能力以及审美性的表现能力，使其在产品设计过程中从感观角度对产品进行全面把握的重要教育手段。随着社会的发展、生活水平的提高，消费者更多的要求产品能够给他们带来视觉的享受。

这需要我们通过美术教学培养其扎实的审美能力、提高艺术素养。 但是，从目前工业设计专业的基础美术教学现状看，学生的造型、审美能力、艺术素养并没有得到真正的提高。

培养学生敏锐的观察能力、创造性的构思能力以及具有审美性的表现能力是目前工业设计美术教学中亟待解决的问题，怎么通过美术教学培养学生的审美情感，提高审美能力，并教给他们正确的观察方法，启发形象思维，促进创造性设计思维的发展就显得尤为重要。 一、通过美术教学，培养学生的审美能力，提高艺术修养 在我们生活的世界中，到处都有美的事物存在。

但是，并不是每个人都能发现它们。正如罗丹所说“美到处都有，对于我们的眼睛，不是缺少美，而是缺少发现！”由于生理、教育与生活环境等各种原因的影响，有的人对于美具有很高的敏感性，在很多事物中都能发现美，并产生很明确的审美体验。

很多伟大的艺术家之所以创造出了优秀的艺术作品，一个前提就是他们都具有很高的审美敏感性。 美术教学可充分发挥其特有的认识功能、审美功能和形象表达能力的训练，对学生进行审美教育，使受教育者通过美术教学提高“对美的感受力、鉴赏力、表现力和创造力”，“以美引善，提高学生的思想品德；以美启真，增强学生的智力；以美怡情，增进学生的身心健康”，促进学生全面和谐的发展。

[1] 目前我国的工业设计专业教育模式分为艺术类和理工类。艺术类学生有较好的绘画基础，有较好的艺术氛围，他们在审美能力和表现技法上要高于工科学生，而工科学生在入学之前没有接受过正规的美术教育，在这些方面明显要差一些。

针对学生自身的特点，可开设内容不同的欣赏课程，帮助学生在对艺术作品的欣赏、鉴别与评价的过程中，逐步提高审美能力。在欣赏教学中，最有价值的不是艺术作品本身，而是学生对作品的理解，想象与再创造。

在欣赏教学中，应遵循审美的规律，多给学生感悟艺术作品的机会，提高学生的审美能力。因此，在教学中也要融入学生感知意念，加强对美的互动交流。

马克思说过：“如果你想欣赏艺术，你必须成为一个在艺术上有修养的人。”虽然每个人的审美经验不同，但多给他们感悟艺术的机会，对提高学生的艺术修养和审美能力是十分有利的。

在欣赏教学中注意联系传统艺术形式与现代艺术设计之间相融合之处，联系与艺术设计的形式要素相通的地方来进行欣赏讲解。如中国传统书画艺术在现代包装设计、平面设计等视觉传达设计中的应用，巧妙地将中国书画中“意象”应用到现代设计中；京剧脸谱艺术在现代产品设计中的应用等等，在欣赏中有意识地开阔学生的设计思路。

[next] 二、通过美术教学，加强美术技能训练，提高美术能力 在具备了基本的美术素养后，学生还需要有一定的美术语言来表达设计构思。美术技能的教育能够有效地培养学生的空间造型能力，通过训练学生在对形、色、体、质的概括和处理上会比较得心应手。

对于有一定绘画基础的艺术生来说，可以改变传统的素描、色彩课程，变其为设计素描和设计色彩课程。在进行素描训练时，可采用新的教学模式进入课题内容，如对实体进行拆分切割，用微观特写手法表现对象，对拆分的形体进行描绘，追求肌理纹样，图形特征、质感量感的变化。

这些训练不但能够使学生理解物体的大小、厚薄，还可以懂得物体实质和内部构造的关系，对将来进行产品设计很有帮助。还可以采用“半写生半创作”“意向开拓”、“命题式教学”等新教学模式对学生进行训练。

这些训练侧重设计素描，穿插传统素描，可启发学生思维，培养学生的分析力、观察力、想象和表现力，有助于艺术与设计的联系，有助于创造力的开发，让学生力求做到由感性上升到理性，由感知错觉走向理知精确。[2] 对于没有任何绘画基础的工科学生来说，就要从最基本的形体的结构训练入手。

通过结构素描来分析物体的形态结构，找出其形态与结构的关系、节奏韵律和构成规律，从对形态认识和理解到创造，达到培养和提高。

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你的美术学论文准备往什么方向写，选题老师审核通过了没，有没有列个大纲让老师看一下写作方向？ 老师有没有和你说论文往哪个方向写比较好？写论文之前，一定要写个大纲，这样老师，好确定了框架，避免以后论文修改过程中出现大改的情况！！学校的格式要求、写作规范要注意，否则很可能发回来重新改，你要还有什么不明白或不懂可以问我，希望你能够顺利毕业，迈向新的人生。

论文选题的具体方法有哪些在选题的方向确定以后，还要经过一定的调查和研究，来进一步确定选题的范围，以至最后选定具体题目。下面介绍两种常见的选题方法。

1、浏览捕捉法 这种方法就是通过对占有的文献资料快速地、大量地阅读，在比较中来确定题目的方法。浏览捕捉法一般可按以下步骤进行： 第一步、广泛地浏览资料。

在浏览中要注意勤作笔录，随时记下资料的纲目，记下资料中对自己影响最深刻的观点、论据、论证方法等，记下脑海中涌现的点滴体会。 第二步、是将阅读所得到的方方面面的内容，进行分类、排列、组合，从中寻找问题、发现问题，材料可按纲目分类。

第三步、将自己在研究中的体会与资料分别加以比较，找出哪些体会在资料中没有或部分没有。2、追溯验证法 这是一种先有拟想，然后再通过阅读资料加以验证来确定选题的方法。

追溯可从以下几方面考虑： 第一步、看自己的“拟想”是否对别人的观点有补充作用，自己的“拟想”别人没有论及或者论及得较少。 第二步、如果自己的“拟想”虽然别人还没有谈到，但自己尚缺乏足够的理由来加以论证，考虑到写作时间的限制，那就应该中止，再作重新构思。

第三步、看“拟想”是否与别人重复。如果自己的想法与别人完全一样，就应马上改变“拟想”，再作考虑；如果自己的想法只是部分的与别人的研究成果重复，就应再缩小范围，在非重复方面深入研究。

第四步、要善于捕捉一闪之念，抓住不放，深入研究。在阅读文献资料或调查研究中，有时会突然产生一些思想火花。

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有关美术的论文要规范的论文

上世纪90年代初，中国的高等美术教育和美术研究机构中原有的“美术史及美术理论”专业被陆续改称美术学，上世纪90年代中期国家有关部门又将美术学定为艺术学 一级学科 下属的与音乐学、戏剧学等并列的一个二级学科。

从那时起，美术学正式作为一个二级学科在中国诞生，并得到迅速的发展。美术学作为艺术学科的一个分支，涵盖了视觉造型创作与美术史论研究的广泛领域，是艺术学领域的支柱学科之一，在我国文化事业的建设和发展中起着重要的作用。

遗憾的是，这个重要作用尚未引起普遍的认识，与发达国家比，美术学的社会地位和普及程度相差甚远。 美术学是人文科学的组成部分，是一门研究美术现象及其规律的科学，美术历史的演变过程、美术理论及美术批评均是它的主要内容。

美术学要研究美术家、美术创作、美术鉴赏、美术活动等美术现象，同时也要研究美术思潮、造型美学、美术史学等。此外，美术学还要研究本身的历史 即美术学史，就像哲学要研究哲学史一样 。

美术学既可以运用自己特有的方法进行研究，也可以借鉴哲学、美学、心理学、社会学、文艺学的方法进行研究，因此对美术学的研究还可以同其他学科的研究结合起来，形成美术学研究的边缘地带或者形成新的交叉学科，例如美术社会学、美术心理学、美术市场学、美术信息学、美术管理学等等。这里，“美术”二字的涵义有时会扩大到书法及摄影等造型艺术领域。

通过这一界定，美术学的基本研究对象包括美术史、美术批评与美术理论，构成了对“美术”这一现象的研究，这在我国已经形成美术学的基本框架。 然而遍览欧美各地大学的学科设置，却并不存在一个所谓的“美术学”的概念。

至今还没有与“美术学”对应的英文词汇。欧美的美术史研究，且以德国为例分析，强调美术史本身的社会文化意义的派别影响最大。

特别是潘诺夫斯基图像学的研究方法成为美术史研究的主流。

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【摘要】普通高校加强美育，主旨是在“育人”，是要教育学生逐步树立马克思主义的审美观。

审美观是关于美、审美、美的创造等问题的基本观点，是世界观和人生观的重要组成部分。而大学生学习美术鉴赏的意义就是要以美引善，提高学生的思想品德；以美启真，增强学生的智力；以美怡情，增进学生的身心健康。

从而，促进大学生全面和谐的发展。 【关键词】学习 方法 美术鉴赏 必要性 美育 意义 引言 有生即有情，有情即有艺术。

故艺术非专科，乃人所本能；艺术无专家，人人皆生知也。晚近世变多端，人事繁琐，逐末者忘本，循流者忘源，人各竭其力于生活之一隅，而丧生其人生之常情。

于是世间创立“艺术”为专科，而称专长此道者为“艺术家”。盖“艺术”与“艺术家”兴而艺术始衰矣！出“艺术”之深宫，辞“艺术家”之尊位，对稚子而教之习艺，执途人而与之论美，谈言微中，亦足以启发其生知之本能，而归复其人生之常情。

是则事事皆可成艺术，而人人也皆得为艺术家。{1} 著名艺术家丰子恺先生的这段话讲的非常深刻，艺术应该是属于全民的。

而现今艺术的创造却被集中在艺术家身上，这并不利于大学生们艺术素质和审美观的提高。普通高校加强美育，主旨是在“育人”，是要教育学生逐步树立马克思主义的审美观。

审美观是关于美、审美、美的创造等问题的基本观点，是世界观和人生观的重要组成部分。而大学生学习美术鉴赏的意义就是要以美引善，提高学生的思想品德；以美启真，增强学生的智力；以美怡情，增进学生的身心健康。

从而，促进大学生全面和谐的发展。 由此可知大学生学习美术鉴赏课程对于大学生素质的培养有着非常重要的作用，所以就更应该实现美术鉴赏课程在大学里的普及。

这里的普及不能单单只是书本、字面上的普及，而是真正让大学生实现在精神上的普及，真正的了解学习美术鉴赏课程的意义，这就需要我们大学生能真正的看透一些问题。那么以下这些问题能够帮助我们更好的认识到学习美术鉴赏这门课程的必要性。

一 美术是一种文化，而我们大学生有发扬这种文化的义务。 大多人以为“美术”就是“画画”，这是一种误解。

在“五四”运动前后，蔡元培提出“以美育代替宗教”的主张，他所说的“美育”，是一个很大的概念，举凡一切能引起人们审美活动的“术”，都属“美育”范畴，而“美育”中的“美术”还包括了文学、音乐、舞蹈在内。后来美术的概念开始具体而微，一般的研究者把“美术”理解为造型艺术的概括，它包含：绘画、雕刻、建筑、工艺美术，现代工业社会中把“工艺美术”和“设计美术”分列为两个不同社会范畴的同一个门类。

在中国，又有书法篆刻，同时又把摄影归入“美术”的趋向。由此可见，随着社会文化的不断发展，“美术”概念的内涵也在逐步扩展。

蔡元培当年提出“以美育代替宗教”的要求，首先也是因为“宗教”本身就是人类的文化表现形态之一，只是这个形态在蔡元培看来已经不合时宜了，况且，“宗教”中能够引起人们崇敬、畏惧的形式其实还是“美术”的创造，所以“宗教”的文化性，在很大程度上是由“美术”创造的，举凡宗教绘画、宗教雕刻、宗教建筑、宗教音乐、宗教文学、宗教舞蹈，莫不如此。由此可见，“美术”本身就是一种“文化”。

{2} 更为严肃的说美术教育是衡量一个国家和地区文明程度的重要标志。它继承和发展着人类的文明成果，传播、保存、融合、发展着民族的文化，是民族形成、生存及发展的生命机制。

美术教育作为一种精神生产，对人们的社会心理、风俗习惯、道德规范、文化传统有至关重要的影响，成为整个文化建设的基础。 二 美术鉴赏课对大学生的全面而深刻的影响体现在哪些方面呢？ 首先它表现在以美引善 蔡元培先生大力提倡“以美育代宗教”，就是因为作为“美育”的重要载体之一的美术有辅助道德进步的教育功能。

大学生的思想品德不是先天具有的，也不是后天自发形成的，而是在社会、家庭，特别是在学校教育中形成和发展起来的。美术鉴赏课就是学校的教育课程之一。

人的道德理想、道德认识、道德情感、道德行为建立在审美的基础之上，并以美作为追求的价值取向。在思想道德素质养成过程中，美术鉴赏课把中外美术精品直接呈现给广大学生，使他们产生“直观”的美感。

“审美带有令人解放的性质”，能使人的主体性得到美的提升，前苏联教育家霍姆林斯基说过：“美是人的道德财富的源泉。”高校的美术鉴赏课是普通美术教育工作在高校的一种延续，是一种富有强烈艺术感染力的审美教育。

这种审美教育是通过鉴赏美术作品的意境、线条、色彩、构图、肌理、空间及作者创作背景等完成的，它可以把高度发展的社会理性转化为直观的、生动的感性形式，其中蕴含的政治思想内容、伦理道德内涵，均使受教育者在提高审美感受、表现能力的同时，心灵得到净化，道德情操得到升华，从而达到崇高的精神境界。生动的艺术形象和直观的构思，给青年学生以启迪、以感动，从美术作品中感受到美，精神上获得愉悦和满足，同时也在潜移默化中获取了很多人文知识，接受了思想道德教育，人的身心得以全。

美术学毕业论文选题

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大学毕业季，很多同学都写不好论文。写不好论文，不仅影响成绩，也影响毕业。所以，我在此分享一点经验给同学们。

分析论文题目。大家在选定一个论文题目之后，一定要分析论文题目的写作重点，分清主次。

收集材料，写读书笔记。当大家分析过论文的主要写作方向后，大家要开始收集与论文相关的论文材料。把自己找到与所选论文相关的材料记到读书笔记上，以备将来写论文的时候作为参考。

国内外研究现状。大家要将论文中的主要研究目的找出来。然后寻找分析国内外对此题目的分析与研究。

列举大纲。结合论文题目。开始列举大纲。先解释论文中相关的知识点。然后写当前的研究现状，接着写某题目的问题与不足，再写针对该问题的对策。注意，问题和对策要相对应。论文中要列举事例、添加数据、分析的图片等等。

开始写论文。按照大纲开始写论文，但是要在必要的地方加上过渡段。然后是论文的脚注，引用、参考资料、结论等。

最后，大家把排版做好。未尽事宜，请大家斧正。祝大家把论文写得更优秀。

特别需要注意：

注意，问题和对策要相对应。

必要的地方加上过渡段

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工写妙合画心境，融会贯通求变革 -----著名花鸟画家赵清国的作品赏析 夫从艺者，托其根于心智也，发其花、笔端墨彩于萱桑也。

人之神不能无为，思虑易迁，哀乐相变，感生于志，赋形凝萃于画间。 庚寅（2010）年春（5月15日），在首都的一场拍卖会中，著名花鸟画家赵清国先生的多幅花鸟和国画人物作品赢得来自全国各地和场外的网络参拍者竞相投购，其中一幅斗方葡萄创下25万元的拍卖纪录。

五月的北京春寒料峭，不畏风寒的人们带着极大的热情前来参观竞拍。展厅四壁挂满了国内外中国画大师们的作品，清国先生参拍十幅中国画作。

这幅以葡萄为主题的《春华秋实》展拍，气势恢弘、枝藤遒劲而又笔墨浓重！ 赵清国，河南郑州须水镇人，1954年生于普通农民家庭。兄妹五人排行老末，儿时受大哥和父辈的蒙学影响，喜欢读书、写字、画画。

他最大的理想将来当一名画家。 中学读书时，他的文化课和美术课成绩都非常优秀。

然而“文革”却断送了绘画的梦想。1970年，刚满十六岁的他不得不携笔从戎，来到中国人民解放军武汉军区工程兵某部。

白天在坑道里从事繁重的体力施工，晚上回兵营挑灯夜战，读书写字。艰苦的生活环境磨练了清国的意志，坚定了他学画、当画家的决心。

从那时起，他养成了画速写的习惯。他说，他至今不抽烟、不打牌，和年轻时画画的理想追求是有直接关系的。

庄子《外篇》曰：“夫残朴以为器，工匠之罪也。毁道德以为仁义，圣人之过也”。

青年时代的清国，奋发上进，施工工程，文化宣传，样样都抢在前头，干的出色。他说，人活着，不管做什么，都应该有种向上精神追求，越是环境艰苦，越要有独立的精神。

“天行健，君子以自强不息。”（《周易？上经》）他常以古人这句话作为自己的座右铭，从普通施工员，到书记员，再到司务长，是一步一个脚印走过来的。

清国在部队的时候喜欢读书，兴趣广泛，吹拉弹唱样样都行。但他最钟情的还是画画。

他不但喜欢画花鸟鱼虫工笔小品，更热心于描写全景式的大幅巨制。他有时也画油画、搞书法，涉猎极广，没有定式。

他最终走上绘画道路正轨，拜潘天寿的入室弟子，浙江美院（现中国美院）的朱颖人教授为师，却来自一次偶然的机会。70年代末，已转业到地方的物资系统清国，在洛阳接待了朱颖人、陈永康等先生一行的艺术家，并观看了他们合作的一幅丈二巨作《洛阳花似锦图》，那绚丽的墨彩、挺立的奇石，虬曲的松柏、华丽的牡丹、萱草以及气势逼人构图，让清国良久驻足，竟然看呆了，原来中国画还可以这样画。

他暗下决心，一定要拜朱教授为师，学画国画。说来也巧，刚好朱颖人先生与河南知名花鸟画家李自强先生熟捻。

他家中收藏有朱先生十数张从20世纪60年代延至新近的大幅花鸟画作品，清国如视珍宝，借来系统地仔细临摹。他深感自己原有的绘画功底不足，先后在天津大学进修MBA期间到天津美院和贾宝珉、姬俊尧、王之江、李学瑛等先生系统地学习传统绘画理论。

1992年4月，经李自强先生推荐，清国带上了数十幅作品驱车千里至杭州西子湖畔朱先生府上求教。朱先生在一一看过作品，夸清国画画有灵气，并在其作品上题字：“精神可嘉，当需努力”。

兴致之余，朱先生信手边画边讲，口传身授。那年，朱先生71岁，清国43岁，当为先生的晚年弟子之一。

“朱颖人先对生活和艺术的理解表现在他的三个基本观点之中，艺术风格要与个性相和谐、生活的感受是创作的源泉、中国画笔墨是能不断传承发展的艺术。他身上充分表现了一位当代中国画人精审敦厚、充满自信的品质。”

朱颖人先生的师承十分丰富，他既受过颜文梁、林风眠、孙文林、关良、倪贻德、黎冰鸿等人学院式的西洋画教育，也受过蔡卓群、吴茀之、潘天寿等人师徒式的训练，他善于吸收中、西绘画两方面的营养，把学院式的教学和传统师徒传承式的训练结合起来学习，并贯彻到他以门生代行老先生的教学中去。朱先生常说：“光学古人的笔墨是远远不够的，要做到师迹又师心，注意学习古人的意境和构思”。

朱先生重视课徒与古代名画临摹、写生、创作三个环节的关联互动，主张借“临摹与读画”以学古（即因），承“写生与创作”（即创）以开今。通过学古达于开今的目的。

写生是师古人师造化的实践，是通向创作的必由之路。创作是写生的提炼和升华，同时，又是师古人，师造化的试金石，通过实践寻找自身的缺陷和不足。

实际上在整个学画的过程中，临摹、写生、创作三者是循环往复不断交替进行的。在老师的引领和启发下，清国逐渐明白了这些道理，并且重新注意临摹、写生、创作三者的关系。

大体来说，清国的创作九十年代前以临摹为主，兼及写生创作；后期以写生、创作为主。纵观清国的绘画是临摹、写生和创作交叉进行的。

经过近三十年的不懈努力，清国逐渐走出一条自悟的学画之路。 清国追随朱颖人教授以及诸多先生学画，虔诚，有颗执著之心。

先生们亦都倾其所长，无论从题材画意，还是笔墨题款，都毫无保留的传授。清国学得刻苦，也学得灵活。

既从宏观着眼，注意把握大局。又从微观入手，一笔一画，精微描摹。

他学习有心，不但揣摩老师们。