1.古代人们对书法的评价

王羲之说：“一点所失，若美人失一目。

一画之失，如壮士失一肱。不可不慎” 唐太宗赞王羲之其字“烟霏洁露，若断而连”，赞王献之的字：“翩若惊鸿，婉若游龙”，“神光离合，乍阴乍阳”。

称为“书圣” 的王羲之，他的书法秀美典雅，而有人却站在壮美的立场上说他的作品“虽圆丰妍美，乃乏神气，无戈戟铦锐可畏，无物象生动可奇” ，“有女郎才，无丈夫气” 。南朝梁武帝萧衍在《古今书人优劣评》中，评钟蒜书法“如云鹊游天，群鸿戏海”，评王羲之的书法“字势雄逸，如龙跳天门，虎卧风阀”唐·张怀瓘在书论中称书法是“无声之音，无形之象” “每书欲十迅五急、十曲五直、十藏五出，十起五伏，方可谓书”，又说：“每作一横画，如列阵之排云；每作一戈，如百钧之弩发；每作一点如高峰坠石；每作一折，如屈折钢钧；每作一牵，如万岁枯藤；每作一放纵，如足行之趣骤”，节奏自见。

孙过庭在《书谱》中曾经指出：“伯英不真，点划狼藉，元常不草，使转纵横，乍显乍晦，若行若藏。” “草以点画为情性，使转为形质”宋代四大书法家之一的米芾说：“柳公权师欧（阳询），不及远甚，而为丑怪恶札之祖、自柳世始有俗书。”

又说：“柳与欧为丑怪恶札祖……”，“颜鲁公行字可教，真便入俗品”；宋朝米芾还风趣地说：“沈辽排字，蔡襄勒字，苏轼画字，黄庭坚描字，他自己是刷字”宋代朱长文说：“惟公（即颜真卿）合篆糟之义理，得分棣之谨严，放而不流，拘而不拙，善之至也”，评欧是“杰出当世，显名唐初，尺犊所传，人以为法，虽戎狄亦慕其声。”认为欧阳询的楷书，是“纤浓得中，刚劲不挠，有正人执法，面折廷铮之风；至其点画工妙，意态精密，无以尚也。”

评柳公权是“博贯经术，正书及行，皆妙品之最，草不失能，盖其法出于颜，而加以遒劲丰润，自名一家”。又说：“当时大臣家碑志，非其笔，人以子孙为不孝。

外夷入贡，皆列署货贝日：‘此购柳书’。”苏轼曾说：“古之论书者，兼论其生平；苟非其人，虽工不贵也。

又说：“书必有神、气、骨、血、肉，五者决一，不为成书也。” 把神放在首位。

元代赵孟睢独纪な稀分性疲“结字因时相传，用笔千古不易”康有为作为碑派代表，极力鼓吹北碑，称颂魏碑之美，“北魏碑无不佳者” 。而对以妍美见长的帖派书家董其昌的书法大力抨击，贬低。

“局束如辕下驹，骞怯如三日新妇” 。 邓石如先生说：“计白当黑，无笔墨处也是妙境呀。”

清包世臣也说：“字画疏处可以走马，密处不使透风”“常计白当黑，奇趣乃出”。刘熙载说：“书之章法有大小，小如一字至数字，大如一行至数行。

一幅至数幅，皆须有相避相形、相呼相应之妙。凡书笔画要坚而浑，体势要奇而险，章法要变而贯。”

古人云：“有功无性，神采不生，有性无功，神采不实” 。“诗贵曲，画贵蓄，书贵藏，学贵悟”郭沫若评说他的书法“自成风格，'融冶篆隶于一炉，听任心腕之交应，朴质而不拘谨，洒脱而有法度，远逾宋唐，直攀魏晋”。

郭沫若先生又说：“构成节奏”总离不开两个很重要的关系，一个是时间，一个是力的关系”张宗祥先生所描述的：“以己之所宗者为本，不合者皆废之，此狭陋之弊也。宗颜则议楮，法米则诽苏。”

“学碑者见帖而议其疏，学帖者见碑而病其拘，南宗陋北之板滞，北宗病南之放荡”。近代书法大家沈尹默在《书法论丛》中说：“不论是石刻或墨迹，表现于外的，总是静的形势，而其所以能成这样的形势，却是动作的结果。

当初的动作态势现在只通过作品留在静的形中。要使静者复动，就得通过耽玩者想象体会的活动，方能期望它的再现。

于是，在既定的形中，就会活泼地看到往来不定的势。在这一瞬间，不但可以发现到五光十色的神采，而且还会感觉到音乐般轻重疾徐的节奏。

这说明书法欣赏是积极能动的。只有通过欣赏者展开想象和联想的翅膀，才能使视觉形象与动觉形象结合起来，书法欣赏才得以实现。

现代书法家沈默尹先生说：“世人公认中国书法是最高艺术，就是因为它能显出惊人奇迹，无色而具画图的灿烂，无声而有音乐的和谐，引人欣赏，心畅神怡。”近人马宗霍的《书林纪事》载：“询当见古碑，晋索靖所书。

驻马观之，良久而去。数百步复返，下马伫立，及疲乃布裘坐观，因宿其旁，三日方去。”

林语堂先生说得好：“中国书法作为中国美学的基础，其中全部含义将在研究中国建筑时进一步看到”。启功先生对此有精辟的说明：“笔法有一种异状，为临写所不能得者。

即凡横斜之笔画间，常见有一顿挫处，如竹之有节。且一行中，各字之顿挫处常同在一条直线之地位，如每行各就其顿挫处画一线，以贯穿之，其线甚正而且直。

又各行之间，此线之距离，又颇停匀。且此线之一侧，纸色常有污痕，而其另一侧，则纸色洁净。

盖书写时折纸为行，前段尚就格中书写，渐后笔势渐放，字渐大，常骑在折痕之上写，如写折扇扇面，凸棱碍笔，遂成竹节之状，亦初非有意为顿挫之姿，其未值凸棱之行，则平正无此顿挫之节。纸上污痕，亦由未装背时所磨擦者。

今敦煌出土之唐人白麻纸草书《法相宗经论》，所折行格之痕，有至今尚在者。明。

2.书法赏析

一幅书法作品，放在我们的面前，怎么评价、怎么读懂、怎么欣赏，是我们每个初学书法的人、甚至是广大读者都感到困惑而且很想知道的问题。

南朝书家王僧虔在《笔意赞》中说：“书之妙道，神采为上，形质次之，兼之者方可绍于古人”。他所强调的时以形写神，形神兼备。

作为一个读者，我认为在读作品之前，心里首先要明确书法欣赏的审美标准，这是正确进行书法欣赏的基础。其次是要掌握书法欣赏的方法，这是进行书法欣赏的关键所在。

一、书法的审美标准 一般地说，“形”包括点画线条以及由此而产生的书法空间结构；“神”主要指书法的神采意味。 （一）书法的点画线条 书法的点画线条具有无限的表现力，它本身抽象，所构成的书法形象也无所确指，却要把全部美的特质包容其中。

这样，对书法的点画线条就提出了特殊的要求。要求具有力量感、节奏感和立体感。

1、力量感 点画线条的力量感是线条美的要素之一。它是一种比喻，指点画线条在人心中唤起的力的感觉。

早在汉代，蔡邕《九势》就对点画线条作出了专门的研究，指出“藏头护尾，力在字中”，“令笔心常在点画中行”，“点画势尽，力收之”。要求点画要深藏圭角，有往必收，有始有终，便于展示力度。

需要注意的是，我们强调藏头护尾，不露圭角，并不是说可以忽略中间行笔。中间行笔必须取涩势中锋，以使点画线条浑圆淳和，温而不柔，力含其中。

但是，点画线条的起止并非都是深藏圭角不露锋芒的（大篆、小篆均须藏锋）。书法中往往根据需要藏露结合，尤其在行草书中，千变万化。

欣赏时，既要注意起止的承接和呼应，又要注意中段是否浮滑轻薄。 2、节奏感 节奏本指音乐中音符有规律的高低、强弱、长短的变化。

书法由于在创作过程中运笔用力大小以及速度快慢不同，产生了轻重、粗细、长短、大小等不同形态的有规律的交替变化，使书法的点画线条产生了节奏。汉字的笔画长短、大小不等，更加强了书法中点画线条的节奏感。

一般而言，静态的书体（如篆书、隶书、楷书）节奏感较弱，动态的书体（行书、草书）节奏感较强，变化也较为丰富。 3、立体感 立体感是中锋用笔的结果。

中锋写出的笔画，“映日视之，画之中心，有一缕浓墨，正当其中，至于折处，亦当中无有偏侧。”这样，点画线条才能饱满圆实，浑厚圆润。

因而，中锋用笔历来很受重视。但是，我们不能发现，在书法创作中侧锋用笔也随处可见。

除小篆以外，其他书体都离不开侧锋。尤其是在行草书中，侧锋作为中锋的补充和陪衬，更是随处可见。

（二）书法的空间结构 书法的点画线条在遵循汉字的形体和笔顺原则的前提下交叉组合，分割空间，形成书法的空间结构。空间结构包括单字的结体、整行的行气和整体的布局三部分。

1、单字的结体 单字的结体要求整齐平正，长短合度，疏密均衡。这样，才能在乎正的基础上注意正欹朽生，错综变化，形象自然，于平正中见险绝，险绝中求趣味。

2、整行的行气 书法作品中字与字上下（或前后）相连，形成“连缀”，要求上下承接，呼应连贯。楷书、隶书、篆书等静态书体虽然字字独立，但笔断而意连。

行书、草书等动态书体可字字连贯，游丝牵引。此外，整行的行气还应注意大小变化、欹正呼应、虚实对比，以及由此而产生的节奏感。

这样，才能使行气自然连贯，血脉畅通。 3、整体的布局 书法作品中集点成字、连字成行、集行成章，构成了点画线条对空间的切割，并由此构咸了书法作品的整体布局。

要求字与字、行与行之间疏密得宜，计白当黑；平整均衡，欹正相生；参差错落，变化多姿。其中楷书、隶书、篆书等静态书体以平正均衡为主；行书、草书等动态书体变化错综，起伏跌宕。

（三）书法的神采意味 神采本指人面部的神气和光采。书法中的神采是指点画线条及其结构组合中透出的精神、格调、气质、情趣和意味的统称。

“神采为上，形质次之，兼之者方可绍于古人”。说明神采高于“形质”（点画线条及其结构布局的形态和外观），形质是神采赖以存在的前提和基础；因此，书法艺术神采的实质是点画线条及其空间组合的总体和谐。

追求神采，抒写性灵始终是书法家孜孜以求的最高境界。 书法中神采的获得，一方面依赖于创作技巧的精熟，这是前提和基础；另一方面，只有创作心态恬淡自如，创作中心手双畅，物我两忘，才能写出真情至性，融进自己的知识修养和审美趣味。

二、书法欣赏的方法 书法欣赏同其他艺术欣赏一致，需要遵循人类认识活动的一般规律。由于书法艺术的特殊性，又使书法欣赏在方法上表现出独特性。

一般地说，我们可以从以下几个方面进行。 1、从整体到局部，再由局部到整体。

书法欣赏时，应首先统观全局，对其表现手法和艺术风格有一个大概的印象。进而注意用笔、结字、章法、墨韵等局部是否法意兼备，生动活泼。

局部欣赏完毕后，再退立远处统观全局，校正首次观赏获得的“大概印象”，重新从理性的高度予以把握。注意艺术表现手法与艺术风格是否协调一致，作品何处精采、何处尚有不足，从宏观和微观充分地进行赏析。

2、把静止的形象还原为运动的过程，展开联想。 书法作品作为。

3.一幅好的书法作品如何赏析

1、从整体到局部，再由局部到整体。

书法欣赏时，应首先统观全局，对其表现手法和艺术风格有一个大概的印象。进而注意用笔、结字、章法、墨韵等局部是否法意兼备，生动活泼。

局部欣赏完毕后，再退立远处统观全局，校正首次观赏获得的“大概印象”，重新从理性的高度予以把握。注意艺术表现手法与艺术风格是否协调一致，作品何处精采、何处尚有不足，从宏观和微观充分地进行赏析。

2、把静止的形象还原为运动的过程，展开联想。 书法作品作为创作结果是相对静止不动的。

欣赏时应随作者的创作过程，采用“移动视线”的方法，依作品的前后（语言、时间）顺序，想象作者创作过程中用笔的节奏、力度以及作者感情的不同变化，将静止的形象还原为运动的过程。也就是摹拟作者的创作过程，正确把握作者的创作意图、情感变化等。

3、从书法形象到具体形象，展开联想，正确领会作品意境。 在书法欣赏过程中，应充分展开联想，将书法形象与现实生活中相类似的事物进行比较，使书法形象具体化。

再由与书法形象相类似事物的审美特征，进一步联想到作品的审美价值，从而领会作品意境。 如欣赏颜真卿楷书，可将其书法形象与“荆卿按剑，樊哙拥盾，金刚眩目，力士挥拳”等具体形象类比联想，从而可以得出：体格强健——有阳刚之气——富于英雄本色——端严不可侵犯的特征，由此联想到颜真卿楷书端庄雄伟的艺术风格。

4、了解作品创作背景，正确把握作品的情调。 任何一件书法作品都是某种文化、历史的积淀，都是特定历史文化背景下的产物。

因而，了解作品的创作背景（包括创作环境），弄清作品中所蕴含的独特的文化气息和作者的人格修养、审美情趣、创作心境、创作目的等等，对于正确领会作者的创作意图，正确把握作品的情调大有裨益。 清王澍《虚舟题跋·唐颜真卿告豪州伯父稿》云：“《祭季明稿》心肝抽裂，不自堪忍，故其书顿挫郁屈，不可控勒。

此《告伯文》心气和平，故客夷婉畅，无复《祭侄》奇崛之气。所谓涉乐方笑，言哀已叹。

情事不同，书法亦随而异，应感之理也。” 可见，不论是作者的人格修养、创作心境，抑或是创作环境，都对作品情调有相当的影响。

加之书法作品受特定时代的书风和审美风尚的影响，更使书法作品折射出多元的文化气息。这无疑增加了书法欣赏的难度，同时更使书法欣赏妙趣横生。

扩展资料 书法赏析的局部分析 1、字法。字法即字的结构安排，也就是“集点画成字”。

通过违与和、正与斜、疏与密、增与减、向与背、松与紧、平与险、避与就的处理构成美的汉字形体，这就是理想的字法。历来书家都把字的结体列为书法技巧中最重要的因素。

因为章法再美，只是一个形式感的问题，而字的结体不好，也难称得上好的作品。 2、笔法。

从字面上看是用笔的方法。从书法欣赏的角度讲，应该是以正确的用笔写出形态规范的点画。

点画自然因书体的不同而不同。但是古往今来的书评中都认为 “凡是能给人以美感的用笔（线条或点画）都应是有力度的”。

这种力度，在传统书学中称为“笔力”。 判断点画有无“笔力”——也就是书法线条的审美条件，主要是以“圆”和“涩”为标准的。

圆，是一个立体的而不是平面的概念。圆的线条饱满、结实，具有浮雕感，能表现出充实圆劲的力度。

圆的线条是中锋用笔的结果，即古人所说“令笔心在点画中行，令笔心自点画中出”写出来的笔画。 再谈“涩”。

涩者，不浮滑，不流畅之谓也。用在书写中的用笔上，就是线条冲破纸面的阻力，挣扎奋进的艺术效果，笔锋在纸面上遇到阻碍和抵抗，而笔迟涩进。

这种阻碍与反阻碍表现的越充分，线条就越显示出本身的力感。 “圆”和“涩”也是有内在联系的。

圆是中锋用笔，涩也是要笔锋直立，人为地制造逆势涩行。古人有“横鳞竖勒”之说，意思是写横要像逆向刮鱼鳞一样，产生一定的阻力；写竖像骑马奋力前行，而又要用缰绳勒马控制，是一种蓄势的前进。

刘熙载说：“笔欲行，如有物拒之，竭力与之争，斯不期涩而涩矣。”这样的线条，不轻滑，不飘弱，而有沉着、凝重、苍劲老辣的效果。

另外，书法线条的节奏感也是评价和欣赏作品的重要条件之一。书法线条的节奏也像音乐中音的长短、高低、快慢一样，不能平铺直叙。

体现在书法上，不但表现在线条的长短、轻重上，还表现在行笔的快慢上。无论是何种书体，运笔都不是“匀速”运动，而是随着书者的情绪和章法的要求调节运笔的快慢，使欣赏者从作品中受到书者情绪的感染。

3、墨法。墨法即用墨的技巧。

是书法艺术形式中一个重要课题。“字本与笔，而成于墨”“肉生于墨，血生于水”，没有墨色的变化、配合，用笔效果就难以达到。

字缺乏血肉，也就没有了生命。所以清包世臣说：“书法字法本于笔成于墨，则墨法尤书艺一大关键也”。

唐孙过庭说：“带燥方润，将浓遂枯”，也点出了用墨的关键处。“燥”、“润”、“浓”、“枯”又是矛盾的法则。

用墨不可太枯，枯笔多了则燥；又不可水分太多，湿度太大会肥浊不清。杜甫诗云：“墨气淋漓幛犹湿”，就是理想的用墨。

即使过许多年，也好像刚写出来的一样，精气神采不可。

4.如何鉴赏和评价写意中国画

欣赏和评价国画的优劣的标准是南齐谢赫在《古画品录》中归纳的“六法”，这是千百年来被绘画界和书法界所公认的。哪六法呢：“一曰气韵生动、二曰骨法用笔、三曰应物象形、四曰随类赋采、五曰经营位置、六曰传移模写”齐白石都把九十岁了，可他的话依然是气韵生动，笔力遒健，章法独具，换别人恐怕早已文思枯竭了吧。可以说，齐白石的画六法具备，他的“画妙在似与不似之间，不似则欺世，太似则媚俗”可谓悟到了艺术的真谛。 气韵兼力、格制俱老、变异合理、彩绘有泽、去来自然、师学舍短。及粗卤求笔、僻涩求才、细小求力、狂怪求理、无墨求染、平画求长”这些中国画欣赏和评价的语义，理解了你就能理解国画的精髓。 中国人的美学观点；以自然为美啊！清水出芙蓉，天然去雕饰！现在街上的女人，这样风格的已经非常少了！ 中国书画，书法是基础，没有书法的基础，你就不懂中国的艺术！丰子凯的画非常简单，但是，大家为什么非常喜欢他，一个是意境，还有就是纯厚的技法！

前几天范增在说，画画主要还是技术的磨练！这个应该非常正确！哪个人都有自己的看法，关键是你能不能够表达出来！ 简单说，中国画的“意境”说其实和中国艺术传统中的“禅”很有关系。尤其是如齐白石那样的“文人画”更甚。离开了“禅”的意境追求，恐怕这幅画的“中国特色”就丢了一半的分了。而有了这个“禅”意的矛盾审美标准限制，中国画在大部分的题材中就不容易有更多的思想和哲理追求。这是“传统”国画的致命伤。不改革，不会有发展的机会了。 个人以为，当代是不可能出大书法家和大国画家的，因为现在主流书画界的人，心思都太势利，太小器，缺乏坚守和境界，当然也不愿下苦功夫，无论是人的境界还是笔墨的水平，都太水。

有几个有些趣味的，却只是在故纸堆里找僵尸气，令人作呕，而那些曾经大肆流行的所谓流行书风，就是胡闹，不提也罢。 中国的美术界文化程度普遍低。过去是那样，现在也是如此。从进人的那一关开始，招人的品行和文化层次就决定了以后的产品：虚狂和低格调。所以，中国的美术匠气十足，盲目跟风。和传统的小家子的文人画品味一脉相连，那怕现在他们能熟练地操作西画技巧。中国人的画能够反映现实生活的丰富表层，也就很不错了。无疑，齐白石的画是做到了这一层的。至于涉及深层审美意识，无论现在还是过去，这个圈子天生的缺少这种底气，因为这是由这个圈子里的人的品行和文化层次决定了的。

西画和国画审美意识完全不同，前者求真，反映的是科学精神，后者求意，反映的是传统文人的情调。

西画代表人物，拉菲尔，米开朗基罗，达芬奇等所代表的审美意识是中国传统文人的审美意识所望尘莫及的。比加索说的话不能太当真。 绘画的本质就是复制自然。因为自然的美是绘画技术所不能完全再现的，西画同样也做不到，更不要说国画了。另外，摄影艺术也同样做不到。所谓的“艺术源于生活，又高于生活”只是一种自我的包装，当不得真的，所以，从纯价值尺度看，求真的西画肯定高于写意的国画，因为那更接近绘画的本质。国画本质上也是复制自然，只是技术手段比不上西画而已。所以，只能追求写意，正因如此，国画框框套套太多，已脱离了绘画的本质，成为国画自身的障碍，这也是中国文人的品味所决定的，如看国画就看字这种论调就一种。抛弃纯价值尺度，国画作为一种小家子气的画种有它特定品味和审美受众，也算是一种风格，从这点上讲，有其自身独特性，可以成为与西画并例的一种风格，仅此而已 我也反对“西方中心论”还张之洞那句话：“中学为体，西学为用。” 以下贴些大师的作品，细细品味吧！