1.如何评价水墨作品

水墨画：是绘画的一种形式，更多时候，水墨画被视为中国传统绘画，也就是国画的代表。基本的水墨画，仅有水与墨，黑与白色，但进阶的水墨画，也有工笔花鸟画，色彩缤纷。后者有时也称为彩墨画。在中国画中，以中国画特有的材料之一，墨为主要原料加以清水的多少引为浓墨、淡墨、干墨、湿墨、焦墨等，画出不同浓淡（黑、白、灰）层次。别有一番韵味称为“墨韵”。而形成水墨为主的一种绘画形式。

(1)拼音：shuǐ mò huà 张东林《太行苏醒》[1]

(2)词义：由水和墨经过调配水和墨的浓度所画出的画，也称国画，[2]中国画。

(3)英文：Chinese Brush Painting

中国画的一种。指纯用水墨所作之画。相传始于唐代，成于五代，盛于宋元，明清及近代以来续有发展。以笔法为主导，充分发挥墨法的功能。

“墨即是色”，指墨的浓淡变化就是色的层次变化，“墨分五彩”，指色彩缤纷可以用多层次的水墨色度代替之。北宋沈括《图画歌》云：“江南董源传巨然，淡墨轻岚为一体。”就是说的水墨画。唐宋人画山水多湿笔，出现“水晕墨章”之效，元人始用干笔，墨色更多变化，有“如兼五彩”的艺术效果。唐代王维对画体提后人宗之。

长期以来水墨画在中国绘画史上占着重要地位。水墨画是中国画的一个分支结构，是组成中国画体系的元素之一。从物理的角度，水墨画就是用毛笔蘸着墨和水的合成物，描绘在宣纸上的一种绘画形式。

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2.如何评价水墨作品

水墨画：是绘画的一种形式，更多时候，水墨画被视为中国传统绘画，也就是国画的代表。

基本的水墨画，仅有水与墨，黑与白色，但进阶的水墨画，也有工笔花鸟画，色彩缤纷。后者有时也称为彩墨画。

在中国画中，以中国画特有的材料之一，墨为主要原料加以清水的多少引为浓墨、淡墨、干墨、湿墨、焦墨等，画出不同浓淡（黑、白、灰）层次。别有一番韵味称为“墨韵”。

而形成水墨为主的一种绘画形式。 （1）拼音：shuǐ mò huà 张东林《太行苏醒》[1](2)词义：由水和墨经过调配水和墨的浓度所画出的画，也称国画，[2]中国画。

（3）英文：Chinese Brush Painting中国画的一种。指纯用水墨所作之画。

相传始于唐代，成于五代，盛于宋元，明清及近代以来续有发展。以笔法为主导，充分发挥墨法的功能。

“墨即是色”，指墨的浓淡变化就是色的层次变化，“墨分五彩”，指色彩缤纷可以用多层次的水墨色度代替之。北宋沈括《图画歌》云：“江南董源传巨然，淡墨轻岚为一体。”

就是说的水墨画。唐宋人画山水多湿笔，出现“水晕墨章”之效，元人始用干笔，墨色更多变化，有“如兼五彩”的艺术效果。

唐代王维对画体提后人宗之。长期以来水墨画在中国绘画史上占着重要地位。

水墨画是中国画的一个分支结构，是组成中国画体系的元素之一。从物理的角度，水墨画就是用毛笔蘸着墨和水的合成物，描绘在宣纸上的一种绘画形式。

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3.如何正确评价一幅中国画作品

如何欣赏中国画？对中国画审美特征的理解会敏锐我们的直觉，欣赏时再结合想象，方能领略作品的文化背景和气韵、神韵、陶冶情怀。

中国的书法与绘画是在一种特殊而古老的文明环境中产生的。几千年来，它们曾走过了从发端、童稚、成熟到升华变化，从实用到艺术化的漫长路程。

毫不夸张地说，书与画是华夏民族的聪慧与创造力最集中的表现之一，并在某种意义上标志着华夏文明在古典文化艺术领域的最高水准。中国乃至东方世界对宇宙自然的看法，对社会人事的态度，对美与永恒性的追求，都在中国书画里得到了显化，并通过它们而获得了千百万炎黄子孙、东方朋友乃至世界各国朋友的认同。

历代那些稚拙的或者雄健的或者秀美的碑帖法书，那些神秘的或灿烂的或淡雅的绘画名品，都是我们民族的精华——书画艺术家们（包括不知名姓的民间艺匠）以审美方式与主客体世界进行心灵对语的形象记录。这种对语有时达到了哲学化的高度，——在“若坐、若行、若飞、若动”的纵横笔画之间，在“有丰致、有缥缈”的笔情墨象之中，蕴含着情思，也体现着“道”，表现着人格乃至对生命宇宙的体验。

可以说，每幅字、画都凝结着民族与时代的心态，积淀着民族精神的文化层。作为艺术，作为中国人心理意识结晶的书画艺术，就更不待言了。

但不是每个人都能够在较高的层次上欣赏书画艺术。它是如此的丰富而悠久，精致而又神妙！要理解与感受神秘的陶绘，狞厉的青铜纹饰，静穆的佛像，意在笔墨之外的文人画和高度抽象、流动的书法点划结构，都需要一定的知识和修养。

欣赏中国书画，允许欣赏者持的某种主观态度，这需要情感与想象。需要理性、确切的知识与判断。

将二者合而为一，是笔者试图向读者提供的既引导欣赏，又介绍知识的文章。 传统中国画以毛笔、水墨、矿物质颜料、绢帛、宣纸等为工具（原料）从表现形式上分工笔画和写意画。

人物画强调“传神”，通过对人物面部表情（特别是眼神的刻画）、肢体语言、环境等的表现，达到以形写神、突出人物的内心世界。山水画强调“诗情画意”表现雄壮粗犷或秀丽俊美的山式、云吞雾幕——情景交融的意境创造即：将大自然的美与文人逸趣（中国文化）紧密地糅合在一起，用高远、平远、深远（或合三远）法的结构画面，计白当黑的处理方式。

花鸟画则以托物言志、借物抒怀；来赞美生命、歌颂大自然——挥洒“胸臆”。在笔墨色彩上讲究：1、笔法丰富、有力度，或浸润凝重、或枯涩快疾；或中锋、或逆锋、或侧锋、或拖笔、或散笔。

2、墨法多层次的变化（五墨六彩——焦、浓、重、淡、清加上纸的颜色），或积墨、或破墨、或泼墨。3、色彩为随类赋彩等感性色彩，讲求墨气、沉着（色彩以墨骨为主，施以淡彩）并有工笔重彩。

总体上追求传统文化（内在的）与以线造型的笔墨意趣（外显的）融合，即：诗情画意和“气韵”、“神韵”的表现。在造型上不拘泥于外形的肖似（逼真），而着重表现物象内在的“气韵”、“神韵”与画家“胸臆”的挥写（抒发）。

在构图、透视上的处理有别于西方绘画，以多角度、多视点（移动）的“散点透视”来表现画家的主观意图自由组合空间。那幺我们究竟如何欣赏呢？笔者认为可从以下几个方面去欣赏：中国的历史、文化背景、文学艺术（诗情画意）和笔墨技巧以及中国画色彩的魅力等方面去品味（欣赏）中国画作品。

4.对国画的评价

中国画与西洋画相比有着自己独特的特征，还表现在其艺术手法、艺术分科、构图、用笔、用墨、敷色等多个方面。按照艺术的手法来分，中国画可分为工笔、写意和兼工带写三种形式。工笔就是用画笔工整细致，敷色层层渲染，细节明彻入微，用极其细腻的笔触描绘物象，故称“工笔”。而写意呢？相对“工笔”而言，用豪放简练的笔墨描绘物象的形神，抒发作者的感情。它要有高度的概括能力，要有以少胜多的含蓄意境，落笔要准确，运笔要熟练，要能得心应手，意到笔到。兼工带写的形式则是把工笔和写意这两种方法进行综合的运用。

从艺术的分科来看，中国画可分为人物、山水、花鸟三大画科，它主要是以描绘对象的不同来划分的。而中国画中的畜兽、鞍马、昆虫、蔬果等画可分别归入此三类。

中国画在构图、用笔、用墨、敷色等方面，也都有自己的特点。中国画的构图一般不遵循西洋画的黄金律，而是或作长卷，或作立轴，长宽比例是“失调”的。但它能够很好表现特殊的意境和画者的主观情趣。同时，在透视的方法上，中国画与西洋画也是不一样的。透视是绘画的术语，就是在作画的时候，把一切物体正确地在平面上表现出来，使之有远近高低的空间感和立体感，这种方法就叫透视。因透视的现象是近大远小，所以也常常称作“远近法”。西洋画一般是用焦点透视，这就像照相一样，固定在一个立脚点，受到空间的局限，摄入镜头的就如实照下来，否则就照不下来。中国画就不一定固定在一个立脚点作画，也不受固定视域的局限，它可以根据画者的感受和需要，使立脚点移动作画，把见得到的和见不到的景物统统摄入自己的画面。这种透视的方法，叫做散点透视或多点透视。如我们所熟知的北宋名画、张择端的《清明上河图》，用的就是散点透视法。《清明上河图》反映的是北宋都城汴梁内外丰富复杂、气象万千的景象。它以汴河为中心，从远处的郊野画到热闹的“虹桥”；观者既能看到城内，又可看到郊野；既看得到桥上的行人，又看得到桥下的船；既看得到近处的楼台树木，又看得到远处纵深的街道与河港。而且无论站在哪一段看，景物的比例都是相近的，如果按照西洋画焦点透机的方法去画，许多地方是根本无法画出来的。这是中国的古代画家们根据内容和艺术表现的需要而创造出来的独特的透视方法。

5.如何评价国画

中国绘画艺术历史悠久，渊源流长，经过数千年的不断丰富、革新和发展，以汉族为主、包括少数民族在内的画家和匠师，创造了具有鲜明民族风格和丰富多采的形式手法，形成了独具中国意味的绘画语言体系，在东方以至世界艺术中都具有重要的地位与影响。

中国绘画是中国文化的重要组成部分，根植于民族文化土壤之中。它不单纯拘泥于外表形似，更强调神似。它以毛笔、水墨、宣纸为特殊材料，建构了独特的透视理论，大胆而自由地打破时空限制，具有高度的概括力与想象力，这种出色的技巧与手段，不仅使中国传统绘画独具艺术魄力，而且日益为世界现代艺术所借鉴吸收。

中国画与西洋画相比有着自己独特的特征，还表现在其艺术手法、艺术分科、构图、用笔、用墨、敷色等多个方面。按照艺术的手法来分，中国画可分为工笔、写意和兼工带写三种形式。

6.谢冰毅的作品评价

（作者系中原书画研究院院长）这些年，谢冰毅的山水画作品基本上是以中原山水为写照。

其中太行山苍茫浑雄、粗犷质朴，不同于绝壁峻峭、秀色灿然的东南名胜。太行山的形色神貌于深沉蕴藉之中，有一股鼓荡生机的浩然之气，一种博大的精神，一种豪放的美感。

谢冰毅笔下的太行山力图画出其“自然之性”与“内涵之神”，舍弃琐屑细节，重大势、大块面、全景式的构图取舍，又以“师法造化，中得心源”的古训，以气韵取胜。千坡万梁随意而发，山山水水随机而化，开阖排挞，绘出山川之精神，紧追浑厚苍茫的水墨气象。

长期的潜心探索和锤炼，以及坚持不懈的实地写生，磨砺了他的笔力。他用笔沉着劲健，用墨用线自如，积健为雄、为厚，表现技巧丰富，时而浓墨点染，时而淡彩描绘 ，时而枯笔皴擦，时而水晕墨彰。

在谢冰毅的太行山水画中，我们看到的不仅是中原山水壮阔宏伟的景象，感受到水墨写意的魅力，更感受到画家那种由衷的山水之恋的精神情感世界。读谢冰毅的山水画，常常被触动的是他深情表现的湍流不息的古老黄河和那千沟万壑绵延不绝的中原厚土。

画家笔下反复描绘的巍巍太行山，感觉到的是弥漫于中原大地中的一种文化，一种精神，一种人格力量。用黄土地表现一个民族，赋黄河以民族魂，又赋民族魂以太行形，这就是谢冰毅作品所显示的魅力和艺术价值。

更主要的是他的作品不拘于传统山水的笔墨套路，而是在直面自然中有新发现，并且在发现中进行梳理与创造，进而形成自己的笔墨表现方式。在多件作品中，我们看到的更多的是表现上的创意，他把技法、意象、诗情恰到好处地整合在画面之中，既保留了写生而来的生动性，又与现实拉开了距离，体现为表现性的形式美感。

谢冰毅是一位固守自己语言模式的山水画家。他的代表作《大河云起图》的可贵之处就在于既保留了中国传统的笔墨形式，又吸收了西方绘画中黑白灰明暗处理的一些手法，大开大合，展示了中国长河的宽阔博大、容纳百川的雄伟景象。

画面中，大河波澜壮阔，大山穿云破雾，既有厚重敦实的效果，又有某种神秘幽深的灵气，意境苍茫旷远、大气幽寂，静幽中有诗情，雄浑中有意趣。北派山水的豪壮之气在此画中表现得淋漓尽致。

中国画的笔墨是心理化、情绪化的语言，可以表达最为微妙的情感。线条的轻重缓急、墨色的干湿浓淡、相互生成的丰富形态，有如变幻无穷的节拍与音符，或欢快或沉重、或含蓄或明朗、或雄浑或轻盈，画家在笔墨中总是自觉不自觉地融入个人的生命体验。

谢冰毅的作品以意境幽清、风神俊朗著称。可以肯定，在《大河云起图》营造的空疏、虚静、幽寒的境界中有画家无限的情感寄托。

另外《大河云起图》尽得水墨的氤氲淋漓、浓郁纯厚之美。在画家审美记忆与审美经验的积累中，滔滔黄河不仅仅是一种自然景色，更是一种力与美的显现。

谢冰毅的作品，笔墨的美感既存在于一幅画的整体之中，也存在于笔、墨、色以及意象之间的关系中。从谢冰毅的笔下，使我们看到了传统底蕴的形式魅力。

山水画的意境中不能没有诗意美，所谓诗意美就是美在表现，美在抒情，美在写意。古今山水画家杰作无不从中溢出浓厚的诗意美，正是诗意美深化了山水画的意境。

谢冰毅的《皓月》充分体现了他山水画诗意美的特征。在此作中，画家充分运用中国画语言中浑厚、大气的笔墨语言和色彩丰润的山水画技巧，在皓月当空的意境表现上，更注重云霄与春色青山的概括和风韵。

画面中，山像巍峨的身躯，云像空中的天弓，水更像弹奏的琴声，给人以幽谷声声，泉水涌动的山水画意境。数年来，谢冰毅以黄土地、黄河水、太行山为主题进行山水画创作，抒发自己的情怀。

他确实以一种深邃的情思去追寻黄土地、黄河水及太行山主题的深层内蕴，以笔墨营造精神家园，也体现了一种独特的情怀。与传统山水画相比，在心态上，具有现代人的舒展、开朗与旷达。

因而，无论是青绿还是浅绛山水在他的笔下均展示出一种自由与无拘束的放松与延伸，它是欢乐的、抒情的、美感的。画家的主观控制，使笔墨在平稳、和谐之中，随着情绪的变化而产生着起伏跌宕。

艺术的生命需要新的形式和风格来表达，笔墨的脱颖而出与激发新的活力，正是谢冰毅为之不懈追求的目标。

7.可以从哪些方面评价一个绘画作品的优劣

绘画作品很多种类啊，具体哪一种？

素描的话就是首先看整个画面的构图，重心是否稳重，饱满。其次看形体，形是否绘画准确。体积感是否突出。形体包含的很多！其中包括刻画物体的外形，透视关系，黑白灰关系等等！然后再看看画面整体的主次关系，也就是前后虚实关系，你整个画面主体物是什么，或者主要表现的是什么，这个要明确！

色彩的话和素描注意的事项差不错，但是色彩是靠颜色去表现画面的体积感！首先整个画面色调是否统一，简单来说也就是，你一副色彩画完了，是偏冷还是偏暖。其二，你的色彩是否丰富。举个例子，一个红色的苹果，你只用红色去画，完全靠同为色去对比，那肯定是不行的。需要补色，邻近色的搭配。

速写类包括漫画主要是看你对刻画对象的形体把握，用线是否具有美感。

大概就这么些吧，还有国画啦，油画啦。。那些绘画作品的优劣或者上面的哪种说的不够详细，你在追问！