关于电影发展史的论文

从1895年12月巴黎嘉布遣大街的“大咖啡馆”供应第一道电影大餐开始，跨越悠悠百年的电影艺术，历经从黑白到彩色，从无声到视听，从蒙太奇到再现美学的兴起，在法国新浪潮和德国电影运动中成长。

今天的电影艺术仍旧以它最年轻、最鲜活的生命姿态，徜徉并植根在人们的精神生活领域。从最初的传播媒介到工业产品，再到艺术家情感寄存的载体，百年的电影史，不仅仅是电影语言的更新史或累积史，更是电影艺术家对电影这门新兴艺术的特性的认识不断深化的历史。

一、艺术的寄生机制——电影对物质的依赖 抽象的艺术形式需要它特定的具象载体。好比诗歌舞蹈依赖于人体的生理结构，好比书法绘画依赖于纸墨和色彩，电影从发明之初就注定要钻进机器的躯壳。

摄影，印片与放映三位一体，工业与技术的进步革新对这门新兴艺术的发展走向具有先决性的控制权。连同投拍影片所需的巨额资金一起，构成推动电影事业发展的主要物质推动力。

电影艺术从一开始就具备了其它门类的艺术所无法比拟的与科学技术的内在联系，在科技进步无止境的客观前提下，电影发展的潜在可能性在理论上达到了无限。 早期电影技术的积累更多依靠杰出电影人的灵感与即兴，没有最基本的系统也更没有上升到技术理论的高度。

梅里爱是电影技术发展史上无法草草翻过的一章。叠印法、多次曝光、渐隐画面等特技集中体现在《月球之旅》中，催生了第一部真正意义上的科幻电影。

随后，“扩音器”的电气录音和“三级真空管”的放大作用使得电影得以开拓新的感官战场。英国特艺色公司成功研制出装有三条胶片的电影摄影机，经德国改进，彩色片得以全面占领电影市场。

直至科技日臻成熟的今天，立体成像技术、杜比降噪技术等的运用以及CG技术（电脑图形图像技术）的出现，使得电影在视听语言上的拓展空间大大超出了期指。导演卢卡斯甚至认为今后不会再生产用胶片拍摄的影片，数字技术更方便贴切地支撑起整个制作流程。

虽不敢苟同这种对胶片摄影全面否定的极端观念，但特技确以它势不可挡的气魄风靡了当下的整个电影市场。 在这里需要特别指出的是电影中的一大种类动画片，其产生发展对技术与资金具有较其他种类影片更密切的依赖。

动画所构建的角色、情节、场景和音乐都最大程度地契合了创作者的想象模型，在这个意义上说，借助于充足的物质铺垫，动画创作在理论上是可以达到完美的电影艺术类型。 “逐格拍摄法”的成功催生了著名的粉笔脱口秀《滑稽脸的幽默相》。

开场是画家的才艺表演，接着便是神奇活动起来的画，创作者使用“剪纸”的手法，将人形的身躯和手臂分开处理，使得逐格重画的时间大大缩短。这部脱囗秀被公认为世上第一部动画影片。

二战期间，美国的卡通动画不但成为年轻艺术家钟爱的行业，更是最受大众欢迎的娱乐形式。动画大师沃尔特•迪斯尼绘制的米老鼠形象，到今天已迎来它的81岁高龄，却依旧鲜活在荧幕并渗透进我们的日常生活，创造着其他电影明星无法超越的不老奇迹。

1995年，皮克斯公司推出了第一部全部由CG技术制作的动画片《玩具总动员》。虽然在经历了《冰河世纪》、《怪物史莱克》之后再回过头来看这部影片，难免会挑剔其色彩单薄，质地轻飘，或是在人物细节处理上的失真。

但在当时来说它确是CG技术首次向2D动画吹响宣战的号角。如今的电影工业，CG已经不仅仅是炫技的手段，它最终成为了梦想实现的方式。

二、艺术的繁衍进化——电影与商业的碰撞合作 如果从艺术的角度来看待电影，就必然要将电影创作、电影作品、电影欣赏三个子系统按比例统一。作为艺术的电影需要回应、需要互动、需要被评价与被促进。

因此，除开制片方面的进步更新，集资与发行的多渠道也成为推动电影事业发展的强大内在力量。 卢米埃尔兄弟公映的十二部短片之所以成为电影的开端，很大程度上归功于它的商业性，即当晚的公映与观看是买卖双方的一次消费行为。

而这种行为又折射出这门艺术所划出的阶级界线：早期的电影并不是雅俗共赏的精细制作，它仅提供给有能力观看它的那一部分观众欣赏，在主题与内容上有相当大的局限。法国电影史学家乔治·萨杜尔认为：“卓别林的影片是唯一既能为最贫苦阶级和最幼稚的群众欣赏，同时又能为水平最高的观众和学识最博的知识分子所欣赏的影片。”

（《世界电影史》，中国电影出版社1982年版， P151）今天这样的阶级差异依然存在，只不过随着观众群体的扩增，所涵盖的阶级群体也更为广泛，加之电影艺术家们更多地倾向于对人类生存和天理大义的思考，电影所反映的阶级性正在逐渐缩小。而商业对电影的支持在这当中依然功不可没。

时至今日，商业活动——包括宣传、发行、周边产品等——与电影的密切合作不仅仅着眼于这种强大的商业艺术品所带来的丰厚利润，更直接地影响了这部影片被观众关注的程度与被欣赏、被评价的可能。判断艺术作品美与丑的不是科学仪器，而是观众的审美心理活动。

商业与电影的联手使得对于单个作品的审美活动有了最大程度的可能，好的预期将带来经济与艺术的双赢。 然而光明的市场前景下一直暗藏着电影作为艺术本。

找一篇以“2010年中国电影票房突破100亿”为主题的政治小论文 自选

中国电影票房突破100亿的深意

100亿，是每一个关注中国电影的人从2010年初就翘首以盼的数字，以至于到了2010年最后一刻临门一脚最终兑现时，它似乎已经不能制造出意想之中的惊喜。

在“十一五”末的最后一刻，“十二五”的开局前夕，这样一个圆融完满的数字，被许多人解读为一个图腾式的符号。然而，又有多少人知道，这个数字背后蕴涵了何其复杂的深意？

100亿是一个飞跃。2002年产业化起步之初，中国电影交出的票房成绩还不足10亿元，在不到10年的时间里，曾经的票房成绩后面多了一个0，这个令人惊诧的增长速度为世界电影史创造了一个新的奇迹。在这个奇迹的背后，是国产电影数量和质量的不断提升，是院线制改革和电影院建设的迅速发展，是中国电影营销和发行手段的推陈出新，是对观众电影消费习惯的苦心培育，更是电影票房统计方法的日益完善。

100亿只是一个起步。在一个拥有13亿人口的国度，今天的电影票房却仅有美国本土电影票房的1/7左右，这个巨大的悬殊既昭示着产业发展不同阶段的差距，同时也蕴藏着“一切皆有可能”的机遇。新世纪第一个10年和第二个10年交替之际，中国电影正面临着由产业化初级阶段向产业升级阶段的过渡和裂变，电影创作的注意力要由提高产量向提高质量转移，泥沙俱下的市场主体要经历新一轮的大浪淘沙，电影市场要实现由全盘扩张向精耕细作的转变，产业发展模式要完成由粗放向集约的跨越。

100亿又是无数个鲜活的故事。《文教周刊》的《数据库》栏目开办这一年，恰好见证了中国电影票房100亿诞生的“前身后世”。《数据库》每季度刊出的多个中国电影产业“十大”排名，都值得每一个关注中国电影的人仔细推敲和琢磨。一部影片票房的成功，离不开创作团队的精心打磨、宣传营销的猛力与巧劲、上映档期的合理选择；一个地区票房的增长，离不开经济发展的雄厚基础、影院建设的切实推进、市场培育的汗水与耐心；一个院线票房的飘高，离不开优秀影片的充足供应、经营管理的科学运作、市场开拓的躬身而为……

100亿很多，它是中国电影产业化改革历尽艰辛换来的成果；100亿不多，它蕴含了中国电影存在的诸多困难和问题，并随时准备克难而上，向着新的纪录冲击。

100亿之后的中国电影，需要更多的鼓励，也需要更多的总结；需要昂首向前的信心，也需要理智冷静的思考。100亿，不是中国电影的尽头，而是新的起点，它让我们没有后退的理由。

求影视后期毕业论文

以下论文都是跟影视后期有关，你可以参考一下。需要的话，我可以帮你下载

数字影视后期技术展望

科技的发展引发了影视制作的数字革命。数字影视后期技术正逐步取代传统的影视制作设备和流程，那么，数字影视后期软件技术的发展趋势又会是怎样的呢？纵观数字影视后期软件的发展历程，横观各软件之间的异同，就会得出答案。

浅谈影视后期制作中的软件

电子计算机进入电影行业，导致了电影制作技术的革命，电脑特技所显示出的近乎无所不能的成力。特别是好莱坞大片，如《星球大战》、《指环王》、《黑客帝国》等。而这些特技的背后又是什么创造的呢？其实他们真正的“幕后指使者”是软件。是这些软件在创造着一个个的奇迹。本文主要是借助后期制作中常用的几个软件，分析影视后期技术的发展历程及后期软件特点。

谈影视后期编辑艺术的再创作

谈影视后期编辑艺术的再创作商燕虹（中国人民公安大学电教中心）一、后期编辑是影视艺术的再创作者影视艺术创作过程包含三个不同特点的阶段：一是用文字写出视觉、听觉形象的稿本的创作阶段；二是将文字分解为一系列不同镜头并摄录下来的拍摄阶段；三是将拍摄素材创造性。

求一篇关于电影的论文,2000字左右

这是我选修课的作业，我看的是《她比烟花寂寞》。

没有2000字哦，你看情况再加一点吧，我明儿个要考试，还得看书，实在没时间帮你加了。

。 希望可以帮上你~~ 她比烟花悲哀 《Hilary and Jackie》观后感 《Hilary and Jackie》。

中文译名：《她比烟花寂寞》。 好有意境的名字，佩服译者的功力。

喜欢这部电影。谈不上爱，仅仅是喜欢。

或许是因为时间、空间的不同吧，一开始看这部电影，我就觉得是在看一场荒诞剧：异域古老的街道、悠缓的大提琴声；Jackie要求姐姐同意自己与姐夫欢爱，而因为姐姐的拒绝她任性的自残…那些都是远离我的生活我的见识之外的存在。我抱着看现代主义风格小说的态度观看剧情，没有悲喜。

直到Jackie艰难的拿起话筒打电话给依赖的丈夫，却听见小孩子的声音。 直到属于她的繁华逝去，她濒临死亡，在床上抽搐嘶吼，门外是喧闹欢腾的人群。

悲凉的感觉就这么袭来，眼泪簌簌往下掉。 就像电影的中文译名：她比烟花寂寞。

绚烂的背后竟然是这样触目惊心的虚空与流离。 Jackie的一生，流光溢彩在其表，狂热偏执在其里。

用死亡追逐荣耀，耗尽所有，曲终人亡。 她的一生追逐的荣耀，说到底，只有爱。

她要找到一份情感依托，填补内心的寂寞，抚平不安。 小时候，她为了和Hilary一样得到父母的赞赏和喜爱，苦练大提琴； 成名后她带着老师给的“大卫杜夫”辗转于世界各个城市，因为她以为全世界都会给她想要的爱； 而后，已为盛名所累的她，重新释放热情，去触碰早已厌倦的提琴，因为一个男人为着她的音乐才华，愿意献出爱情。

当初老师给她“大卫杜夫”的时候说：“It will give you the world.”——她永远记得。 但她忘了后面一句：“but you must give it yourself.” 于是最终，她失去了一切。

或者说，她什么都没有失去，因为她本就不该有奢望。 而相反的，她的姐姐，甘愿“为了一个男人，放弃长笛”，安心归原在乡下生儿育女，过着平淡并且简单的田园生活。

不论是Jackie还是Hilary，我无意褒贬任何一个的生活方式。因为我都不赞同。

先说Hilary。人们说她为了一个爱的男人放弃长笛（许多影评上都是这么写的，这也是为什么我在前面甘愿“为了一个男人，放弃长笛”，用上了引号），但其实在我看来，根本不是这样。

她的事业？她不是在求职、求学时屡屡碰壁么？妹妹的光辉太过耀眼，不是令她压抑令她恐慌么？如果她有着与Jackie一样的技艺，她会由于那个男人的几句赞美就陷入爱河么？ 妹妹问她为什么要嫁给他，她说：“因为在他眼里我是特别的”。 ——因为他的赞誉，因为她觉得他爱她，所以她安然的把自己交给他，安然的依赖他。

如果，她的运气差一点点，遇人不淑，恰巧碰到的是一个巧舌如簧、生性风流的浪荡子，那要怎么办？ 所以对于她的后来的相较于妹妹的幸福生活，我只能说“万幸万幸”。 而说到妹妹Jackie，我只能说她是一个从来没有长大的小孩子。

天才势必孤寂，这好像是个永恒的普遍的真理。Jackie是幸运的，上苍眷顾给了她大提琴的天分；Jackie又是不幸的，因为上苍没有赐予她忍耐。

于是终尽一生她都寻寻觅觅想要找到内心缺失的部分。 她的悲凉人生，完全是自找——我很坚定的认为。

除了童年，她最幸福的时光莫过于与丈夫新婚的那段时间了。俩人各自忙碌却又如此契合。

那么，转折点在哪儿呢？ 转折点在，她发现自己渐渐无法演奏大提琴了。于是她试探丈夫，如果她不拉大提琴了，那要怎么办？丈夫不明就里，回答的直白：“在舞台上你才是最耀眼最闪光的”。

敏感的心自此陷入绝望和死寂。于是她悲观的自弃，向姐姐姐夫提出违背伦理的要求，自我放纵。

寒冬里，她脱光了衣服，拿锋利的叶片割着皮肤，撕心裂肺的喊：“你们都不爱我。没有人爱我……” 因为一个男人的一句话，她否定了自己的全部。

怎能不悲凉。 于是理所当然引发了后续的一系列悲剧：姐妹之间的隔阂、爱人无法忍受她的乖戾、病情的恶化。

烟花的繁华只是一瞬，美丽却短暂。Jackie的一生，一如烟花，璀璨夺目，转瞬即逝。

然而，尽管很多人矫情的认为烟花寂寞，但事实却是，绚丽的焰火，总是对应着祥和的气氛和嘈杂的人群。盛开前万众期待，盛开后群情汹涌。

所以，她比烟花悲哀。

关于影视的论文3000字

进入电影的方式

《电影的读解》是一门关于电影的课程。但它并不是一门严密的、系统的关于电影艺术的概论，更不是一门电影美学课程，我更愿意把它看作是一门电影艺术的入门课程。称它为入门，一方面是作为主讲者的我还谈不上对电影艺术有很高深的研究，另一方面是作为听课者的大家也是初次接触。这门课将主要通过对电影的一些基本艺术问题的介绍，结合对具体作品的分析评价，来达到提高电影艺术欣赏水平的目的。希望能在这方面给大家一些印象，一些启发，使有兴趣者可以在这基础上进一步去发展自己和提高自己。

一、认识电影

进入当代社会以来，看电影已经成了一般人，特别是文科大学生的普通经验了。不管是什么人，不管文化程度高低，都喜欢看电影，而且都会看电影。其中的原因就是因为电影有一般文学与艺术样式所没有的直观性与生活实感。弗雷德里克·詹姆逊曾说过，电影从静止到运动，从黑白到彩色，从无声到有声，它所发展出来的正是还原生活的能力，与生活真实的距离正在缩小仍至消失。特别是电脑时代，甚至可以复制出无法再现的一些景观，如过去与未来的世界。而进入跨国资本主义时期——后现代，一方面是全球化的步伐正在加快，而文化的融合已是经济的融合之后不可阻挡的前景。在这种情况下，电影是最具有全球性的一种艺术形式，詹姆逊就把电影看作是后现代的艺术形式；另一方面是由于电视与电脑的出现，从人类文化的发展来看，图像的时代正在取代文字的时代，而电影又是其中最重要的交流工具之一。所以它的大众性，大众化才可以有如此高的程度，而一部《泰坦尼克号》也才有可能风靡全球。

但是电影的魅力除了直观性之外，一般人却不大注意到电影作为一种文化仪式对观众的潜在影响。 足以为证的是： 去电影院里看一部电影，和在家里从电视上去看同一部电影其审美的效果是很不相同的。原因就在于，除了故事的层面之外，在电影院里看电影还是一种文化的参与， 一种仪式的参与。 这就意味着， 作为放映电影的场所——电影院，对于电影成为一种艺术而言绝不是可有可无的。过去在南京，现在在香港，看电影的仪式感是很强的。 隐性的灯光， 隐蔽的银幕、 典雅的装饰， 都在提醒人们已经进入一种非生活化的状态。接着灯光渐暗，纱幕徐徐拉开，而音乐则悠然响起，观众是慢慢地， 不知不觉地被引入的， 电影院所做进入仪式为观众提供了心理的准备。这不像我们的电影院，人还没坐定，灯光突然灭了，到处吵吵嚷嚷。 而封闭性的空间，场地的黑暗、大致相同的坐姿， 银幕上光影与声音的引导，观众心理的放大效应，所有这一切，都在强化着一种进入仪式的状态。在这种情况下，观众的主体意识暂时消失，而身心两个方面都不由地交给了银幕。所以看电影都会有一种失去自己的感觉。特别是当代电影的视听强剌激，用一个心理学的概念就叫着“感觉剥夺”。而美国学者宾克莱曾使用过一个概念叫“委身”，来形容艺术欣赏的这种状态。这是一种有如宗教仪式的艺术仪式。人们只注意到电影故事的吸引人，而没有注意到进入电影院参与艺术仪式对一个观众心理的潜在影响。

有关电影的论文

有关电影的论文很少在网上公开. 以前我为电影双周刊找资料时也用过很多时间去找.都没找到. 尤其是有关电影和文学的更难. 建议你去北影，上影，传媒大学的bbs 问一下.可能有前辈愿意和你分享.

另外你所提出想研究的论题. 个人经验的原因我也很有兴趣.我也是中文毕业.也在做电影. 几年前我产生过想去ucla 读电影时就在想这问题.

但后来发现读中文的在国外的电影系统里没什麽价值.

如果在华语地区. 以香港浸会大学影视传理比较成功.内地的影视学府仍走俄国电影系统为中心思想. 就比较难和未来的商业化影视系统接轨.

如果说文学和电影的研究命题. 给你一个不错的思路.就是中国古典文学的电影改编作品的相对比. 尤其像三国 水浒.未来几年都是改编高峰期.

你可以把有关三国和水浒的电影作品都做为研究参考资料. 从作品的年份.制作方. 人物造型. 故事线取材. 效益等等. 去做研究路线. 既有意义. 也很时髦.

希望能帮到你

电视电影论文 电视电影：民族电影的生存方略

90年代中期以来，中国电影在经济下滑的轨道上一直不能停步，在众多的娱乐行业中，电影面临的问题是生存问题。

电影频道虽一脚踏在电视这条船上，但它的电影专业化和直接市场化的特性使得它更敏锐、也更强烈地感受到电影的生存危机，因为没有电影节目源电影频道自己将比电影消失得更早。生存的危机感使得解决问题的方法更鲜明更彻底。

拍摄电视电影成为必然。而投拍电视电影能否成为中国电影的一条生存良策呢？ 与机遇失之交臂，应是中国电影业特别警惕的。

电视电影的出现是对传统电影格局的突破中国传统电影格局的基本特征就是：用35毫米胶片拍摄的，主要由电影制片厂制作，电影发行系统发行，在电影院放映，靠观众买票进电影院收回制作成本这样一个线性的过程。电视电影的出现在相当程度上打破了这一过程：1.适应现代传媒格局，以多种方式观赏电影。

20世纪90年代以来，高新科技迅速发展，尤其是电脑数字化技术广泛应用，出现了一系列新兴娱乐媒体，如激光影碟机、电脑多媒体、互联网络等，这些与电视、录像机等早些年出现的娱乐传播媒体一起形成了现代新型的娱乐传媒格局。在这种新的传媒格局中电影的传播方式被大大拓展，电影不仅在电影院里放映，还可以在电视、录像机、电脑里播放，拷贝、磁带、激光影碟并存。

这样就大大地改变了观众观赏电影的方式，观赏可以是影院黑箱式的、也可以是家庭开放式的；可以是单向的、也可以是互动的；可以是集体的、也可以是个体的。重要的是除影院之外的多种观影形式并没有削减电影观众的数量，而是在更大范围中增加了电影观众的数量。

按前两年电影市场的测算，投资250万左右的电影一般会收回成本，而制作成本只占票房的三分之一，也就是说一般影片的票房收入在800万——900万元左右。如果一张电影票价最低按10元计算，一部电影的影院观众也不可能超过100万人次。

但电影仅按在电影频道一家播放算，一般每部影片都在晚上黄金时间首播一次，平均收视率为2%左右，一个百分点的观众就在1200万人次左右，两个百分点的观众就达到近2500万人，这个数字远远超过影院电影观众几十倍，何况一部电影在电影频道播放何止一、两次。当然这里还隐藏一个观众数量提高和经济效益是否成正比例增长的问题，这就是我们需要研究的新问题。

新兴娱乐媒体的出现、传播方式的丰富、观众观赏方式的多样化，使我们发现传统的电影格局被不可逆转地打破了，在这个过程中，电影及电影与观众的关系也在悄然地发生着变化。电影不仅像好莱坞那样为我们制造各种视听奇观，电影也在以另一种近距离的方式走向我们，融入我们身边的现实生活。

2.拓展电影制作材料，挖掘生活新的质感。35毫米胶片是电影一百多年来不变的制作材料，由于它为电影带来的登峰造极的艺术成就，使得艺术家对它的崇拜也达到了不容替代的地步。

电影频道用磁带拍摄电视电影开辟了电影制作材料的新途径，同时四年前的这一抉择是中国现实物质经济条件的必然。经过四年实践，现在看来这一抉择对未知的新工艺材料领域是非常有价值的探索。

它的价值就在于通过创作者的努力开掘，磁带的画面效果已非常接近胶片的画面质量，并使电影这一百年视听艺术更适应当今多元的市场和观众多种的观赏方式。电视电影四年来的创作对这点在两方面做出了探索：一个方面通过对电子摄像机技术和磁带表现力的不断开发，也能达到胶片的光影效果和电影的艺术品位。

青年导演郑大圣的两部用磁带拍摄的电视电影就体现了这种有益的尝试。一部是1999年用模拟磁带拍摄的《阿桃》中可看出对自然光效表现的程度。

影片画面把湘西大山中的优美、宁静的自然风景和光效表现得十分真切、和谐，镜头敏锐地捕捉到自然中光影形成的质感，无论在表现景色还是表现人物上，几近达到胶片的自然光效。影片被上海国际电视节的国际评委们评为白玉兰特别奖。

另一部《王勃之死》是用数字磁带拍摄的，可以看出对画面影调装饰性表现所达到的程度。由于这是一部古装片而且描写的是唐初的一位诗人，因此导演十分讲究画面和影调的装饰性。

导演和摄影充分挖掘数字摄像机的潜力，如巧妙地加上滤色镜等，再加上灯光的细腻布置，使得画面古韵悠远、意味无穷。其中一些画面许多观众乃至专家都以为是电脑制作出来的，其实是摄像机加灯光拍摄的。

这部影片被电影金鸡奖和电视电影百合奖专家评委们一致认为比电影拍得还好，当之无愧地获得金鸡奖最佳电视电影奖，百合奖一等奖。数字摄像机及磁带的潜能还在不断地被挖掘，目前高清晰度数字摄像机、磁带及电视的出现，又给电视电影带来更完美的制作，在技术上、在画面光效上，一般观众用肉眼已区分不出胶片和磁带的不同。

另方面，电子摄像机可以更灵活、更多角度地表现生活本身的质感。艺术家对生活本身的探求是没有穷尽的，对生活空间的表现也不会停止在某些层面上，器材的改变有助于人们想像力的开发。

摄像机的轻便简易使创作者有可能打开生活的另一层空间，另一番情景。从某种角度说是更真实地表现生活的质感。

国外一些电影节甚至是A级的电影节也有。

谈谈中国电影的发展趋势,

在五部提名影片中，《花木兰》《十月围城》和《风声》是典型的类型电影，《花木兰》和《十月围城》属于武打片，《风声》属于谍战片，它们都是近两年中国日益走向成熟的类型电影的优秀代表。

有学者研究认为，类型片带给观众最大的好处就是安全，观众在走进电影院前就已经知道他要面对的或者是凄美伤感的爱情故事，或者是面临人性冲撞和视觉刺激的灾难故事，或者是需要强健神经的悬疑故事，而此前中国电影并没有提供给观众这种安全感。

可喜的是，近年来，中国电影涌现出了越来越多的类型片，并且不断创造出符合中国人审美诉求和观影需求的新类型。如《画皮》号称东方新魔幻，人们已越来越容易寻找到自己喜爱的影片。

类型影片近几年在叙事能力上的提升，也经常让人眼前一亮。以此次获得提名的《十月围城》为例，它在叙事上采取了一种小分队模式，即一个小分队共同去完成一个任务，这群人按照同化模式进行创作，每个人都承担着不同的叙事责任，小分队模式为影片叙事提供了力量。又如2008年的《李米的猜想》，其复线结构控制得非常智慧，曾被影视研究学者评价为“其叙事水平达到了一个罕见的高度”。

“事实上，这次提名的《十月围城》又在某些方面对类型电影进行了新的探索，它不再是传统武打片简单的正邪对立，而是对 革命 的概念进行了清晰而有意思的表述，实现了经典类型片向主流影片的靠近。这也是香港导演主流化的一种选择。”北京师范大学影视艺术系副教授田卉群说。

专家指出，中国电影产业要良性运转，就必须以大量商业类型片做支撑，健康的电影产业应该是橄榄型的，即两头小中间大，高投入大制作的大片和小成本影片都只占很小比例，大量中等投入的类型片成为产业主体。可当前中国优秀类型片的数量还十分有限，只有类型片的不断完善，才能培养出稳定的类型电影观影人群。

过去几年间，中国电影经历了井喷式的发展，电影数量不断攀升，电影票房屡创新高，但健康的电影产业并不能只以数量和票房论英雄，从本届百花奖提名影片窥见的中国电影的进步更让我们欣喜，它让我们隐约感觉到中国电影市场正在真正形成，中国电影人对电影市场的理解、运用市场化手段运作的能力和水平也在不断增强。