<音乐欣赏>范文

贝多芬第九交响曲听后感 贝多芬的d小调第九交响曲完成于1824年2月，最初没有标题，后人加了一个很拗口的标题“最后有席勒的欢乐颂合唱曲的交响曲”，英国人习惯于称它为“合唱交响曲”。

应该说，这是第一次把人声引入交响曲的创作，当时引起了音乐界的轩然大波。 贝多芬一向喜爱席勒的作品，尤其是《欢乐颂》。

传说19岁时，贝多芬就起意用音乐来表现这首颂歌。从1809年开始，贝多芬不断地思考这部交响曲的构架，在他的其他作品中，也不断反映出对第四乐章合唱主题的构想。

但是直到1822年，才开始正式写作，并在两年后完工。 1824年5月7日在维也纳，这部人类音乐史上的巨著首演了。

贝多芬由于已经全聋无法担纲指挥，只得坐在乐队中。由于此前他全聋时指挥演出出现过差错，他只敢背对观众坐着。

这部伟大的作品首演异常成功，可是此时的贝多芬，已经无法听到观众的热烈掌声和欢呼了。直到一位乐手让他转过身来，他才了解到自己的成功，并且激动得热泪盈眶。

可是，又有谁记得，当这部交响曲的首演取得了艺术上的巨大成功后，扣除演出费用，作曲家只拿到了可怜的420古尔登的酬金，还不包括需要支付的杂七杂八的零星用度。当朋友们把帐单递给贝多芬时，作曲家跨掉了…… 当时的贝多芬，正处在精神和物质生活极其困难的时期。

19世纪20年代初的欧洲，正是拿破仑的法兰西第一帝国覆灭后，四大强国在维也纳会议上决定恢复封建君主制，并且迅速成立神圣同盟，四处镇压欧洲革命的时期。而贝多芬自己，贫病交加，还要费心费力去关心他那个不成器的侄子。

就在这种状况下，贝多芬仍然创作出了这部人类欢乐的最强音！ 不管如何，贝多芬给我们留下了如此宝贵的遗产，我们没有理由不好好的珍惜。对于贝多芬第九交响曲的演绎，版本众多，公认最出色的，是德国指挥大师威廉·福特文格勒（Wilihelm Furtwangler）1951年7月在拜洛伊特音乐节上的现场录音。

貌似这个瓦格纳专场音乐节上演出其他作品，老福也是头一份。贝多芬的欢乐颂唤醒了大战后待整的残破心灵，也让后人燃起重生的希望。

正好请回了EMI的世纪伟大录音系列中的这一张，废话少说，开始吧。 [color=blue]第一乐章，不太快的，有些庄严的快板。

[/color]开始的低音弦若隐若现，《音乐圣经》上称为“如阿拉伯神话的恶魔在一股烟柱里消失了一样”。这个令人窒息的背景，是不是指代着当时欧洲神圣同盟的历史倒退？很快新主题出现了，背后的定音鼓似曾相识。

贝多芬对定音鼓的运用可谓炉火纯青，从D大调小提琴协奏曲到第九交响曲，定音鼓总能给人留下深刻的印象。许多碎片回旋组成了两股巨大的波澜，在一个相互斗争的上升后达到高潮。

然后回到开头，是主题的再现。最后的一系列持续的低音，似乎预示着某种不详，被称为悲剧性的结束。

（说实话，本乐章我没怎么听懂） [color=blue]第二乐章，活泼的快板。[/color]贝多芬一反由海顿创立，并在自已手中完善的交响曲“快板-慢板-小步舞曲或谐谑曲-快板”的曲式，在第二乐章大胆地使用了快板，因为在第一乐章的悲剧过后，需要积极的行动。

由极负冲击力的鼓声引出的谐谑曲，被有人称为贝多芬最伟大的谐谑曲。不同的动机和形象在这个乐章里面交织，略带田园风格，有点小步舞曲的意味，可是又带有明显地不安。

显然，这种对欢乐茫然庸俗的追求，充其量只能算一种小资情调的戏谑，并不是贝多芬所喜欢的。因此，作曲家匆忙地结束了这个主题。

[color=blue]第三乐章，如歌的柔板-中速的行板-柔板。[/color]本乐章也是一反常态，本该是谐谑曲的地方使用了慢板，这是对前两个乐章的思考。

由神秘色彩引出的如歌的柔板，带着抒情的诗意，表达了作曲家内心的微妙情感。第二主题是带有舞曲风格的行板，在变奏中出现，丰富了沉思性的旋律。

可是，这个优美的却使我昏昏欲睡，正如贝多芬在手稿中记录的他本来想加入的歌词：“噢，不，不是这样，我所要求的是另一种使人感到快慰的东西。”几处异军突起的号声，粗暴地打断了沉思。

欢乐，不是靠冥想就能得到的，需要人们自己去努力争取！ [color=blue]第四乐章，急板-不太快的快板-很快的快板-急板-很快的快板-活泼的，进行曲式的快板-庄严的行板-始终充满生机的快板-不太过分的快板-适度的柔板-极快的急板。[/color]从这个标题就能看出本乐章思想的极度动荡和升华。

这个乐章已经成为了人类音乐史上的一座丰碑，与以往所有的交响曲不同，第四乐章是作品的中心，也是作品的高潮，前面三个乐章，完全都是为了这个乐章服务的。 一开始，铜管组、大提琴组和打击乐组用毫无花巧的急板，定下了本乐章的基调，被瓦格纳称为“可怖的号角合奏声”。

接着，在低音弦乐的宣叙后，依次出现的前三个乐章的主题，被大提琴和低音提琴迅速地否决掉。我记得在中央电视台的《交响音乐史话》中介绍贝多芬第九交响曲时，用了这样很形象的蒙太奇手法：前三个乐章，卡拉扬指挥柏林爱乐演奏出每个乐章的主题后，然后迅速切换到全屏黑底字幕“不！不是这个”、“不！也不要这个！”，接着就是电影中贝多芬创作时焦躁不安的情景。

据手稿记载，贝多。

<音乐欣赏>范文

贝多芬第九交响曲听后感 贝多芬的d小调第九交响曲完成于1824年2月，最初没有标题，后人加了一个很拗口的标题“最后有席勒的欢乐颂合唱曲的交响曲”，英国人习惯于称它为“合唱交响曲”。

应该说，这是第一次把人声引入交响曲的创作，当时引起了音乐界的轩然大波。 贝多芬一向喜爱席勒的作品，尤其是《欢乐颂》。

传说19岁时，贝多芬就起意用音乐来表现这首颂歌。从1809年开始，贝多芬不断地思考这部交响曲的构架，在他的其他作品中，也不断反映出对第四乐章合唱主题的构想。

但是直到1822年，才开始正式写作，并在两年后完工。 1824年5月7日在维也纳，这部人类音乐史上的巨著首演了。

贝多芬由于已经全聋无法担纲指挥，只得坐在乐队中。由于此前他全聋时指挥演出出现过差错，他只敢背对观众坐着。

这部伟大的作品首演异常成功，可是此时的贝多芬，已经无法听到观众的热烈掌声和欢呼了。直到一位乐手让他转过身来，他才了解到自己的成功，并且激动得热泪盈眶。

可是，又有谁记得，当这部交响曲的首演取得了艺术上的巨大成功后，扣除演出费用，作曲家只拿到了可怜的420古尔登的酬金，还不包括需要支付的杂七杂八的零星用度。当朋友们把帐单递给贝多芬时，作曲家跨掉了…… 当时的贝多芬，正处在精神和物质生活极其困难的时期。

19世纪20年代初的欧洲，正是拿破仑的法兰西第一帝国覆灭后，四大强国在维也纳会议上决定恢复封建君主制，并且迅速成立神圣同盟，四处镇压欧洲革命的时期。而贝多芬自己，贫病交加，还要费心费力去关心他那个不成器的侄子。

就在这种状况下，贝多芬仍然创作出了这部人类欢乐的最强音！ 不管如何，贝多芬给我们留下了如此宝贵的遗产，我们没有理由不好好的珍惜。对于贝多芬第九交响曲的演绎，版本众多，公认最出色的，是德国指挥大师威廉·福特文格勒（Wilihelm Furtwangler）1951年7月在拜洛伊特音乐节上的现场录音。

貌似这个瓦格纳专场音乐节上演出其他作品，老福也是头一份。贝多芬的欢乐颂唤醒了大战后待整的残破心灵，也让后人燃起重生的希望。

正好请回了EMI的世纪伟大录音系列中的这一张，废话少说，开始吧。 [color=blue]第一乐章，不太快的，有些庄严的快板。

[/color]开始的低音弦若隐若现，《音乐圣经》上称为“如阿拉伯神话的恶魔在一股烟柱里消失了一样”。这个令人窒息的背景，是不是指代着当时欧洲神圣同盟的历史倒退？很快新主题出现了，背后的定音鼓似曾相识。

贝多芬对定音鼓的运用可谓炉火纯青，从D大调小提琴协奏曲到第九交响曲，定音鼓总能给人留下深刻的印象。许多碎片回旋组成了两股巨大的波澜，在一个相互斗争的上升后达到高潮。

然后回到开头，是主题的再现。最后的一系列持续的低音，似乎预示着某种不详，被称为悲剧性的结束。

（说实话，本乐章我没怎么听懂） [color=blue]第二乐章，活泼的快板。[/color]贝多芬一反由海顿创立，并在自已手中完善的交响曲“快板-慢板-小步舞曲或谐谑曲-快板”的曲式，在第二乐章大胆地使用了快板，因为在第一乐章的悲剧过后，需要积极的行动。

由极负冲击力的鼓声引出的谐谑曲，被有人称为贝多芬最伟大的谐谑曲。不同的动机和形象在这个乐章里面交织，略带田园风格，有点小步舞曲的意味，可是又带有明显地不安。

显然，这种对欢乐茫然庸俗的追求，充其量只能算一种小资情调的戏谑，并不是贝多芬所喜欢的。因此，作曲家匆忙地结束了这个主题。

[color=blue]第三乐章，如歌的柔板-中速的行板-柔板。[/color]本乐章也是一反常态，本该是谐谑曲的地方使用了慢板，这是对前两个乐章的思考。

由神秘色彩引出的如歌的柔板，带着抒情的诗意，表达了作曲家内心的微妙情感。第二主题是带有舞曲风格的行板，在变奏中出现，丰富了沉思性的旋律。

可是，这个优美的却使我昏昏欲睡，正如贝多芬在手稿中记录的他本来想加入的歌词：“噢，不，不是这样，我所要求的是另一种使人感到快慰的东西。”几处异军突起的号声，粗暴地打断了沉思。

欢乐，不是靠冥想就能得到的，需要人们自己去努力争取！ [color=blue]第四乐章，急板-不太快的快板-很快的快板-急板-很快的快板-活泼的，进行曲式的快板-庄严的行板-始终充满生机的快板-不太过分的快板-适度的柔板-极快的急板。[/color]从这个标题就能看出本乐章思想的极度动荡和升华。

这个乐章已经成为了人类音乐史上的一座丰碑，与以往所有的交响曲不同，第四乐章是作品的中心，也是作品的高潮，前面三个乐章，完全都是为了这个乐章服务的。 一开始，铜管组、大提琴组和打击乐组用毫无花巧的急板，定下了本乐章的基调，被瓦格纳称为“可怖的号角合奏声”。

接着，在低音弦乐的宣叙后，依次出现的前三个乐章的主题，被大提琴和低音提琴迅速地否决掉。我记得在中央电视台的《交响音乐史话》中介绍贝多芬第九交响曲时，用了这样很形象的蒙太奇手法：前三个乐章，卡拉扬指挥柏林爱乐演奏出每个乐章的主题后，然后迅速切换到全屏黑底字幕“不！不是这个”、“不！也不要这个！”，接着就是电影中贝多芬创作时焦躁不安的情景。

《董小姐》歌曲主要内容

董小姐

演唱：宋冬野

董小姐 你从没忘记你的微笑

就算你和我一样

渴望着衰老

董小姐 你嘴角向下的时候很美

就像安和桥下 清澈的水

董小姐 我也是个复杂的动物

嘴上一句带过 心里却一直重复

董小姐 鼓楼的夜晚 时间匆匆

陌生的人 请给我一支兰州

所以那些可能都不是真的

董小姐 你才不是一个没有故事的女同学

爱上一匹野马 可我的家里没有草原

这让我感到绝望 董小姐

董小姐 你熄灭了烟

说起从前 你说前半生就这样吧 还有明天

董小姐 你可知道我说够了再见

在五月的早晨 终于丢失了睡眠

所以那些可能都不是真的 董小姐

你才不是一个没有故事的女同学

爱上一匹野马 可我的家里没有草原

这让我感到绝望 董小姐

所以那些可能都会是真的 董小姐

谁会不厌其烦的安慰

那无知的少年

我想和你一样 不顾那些

所以 跟我走吧 董小姐

躁起来吧 董小姐

《董小姐》歌词

歌名：董小姐 演唱：宋冬野 作词：宋冬野 作曲：宋冬野 董小姐 你从没忘记你的微笑 就算你和我一样 渴望着衰老 董小姐 你嘴角向下的时候很美 就像安和桥下 清澈的水 董小姐 我也是个复杂的动物 嘴上一句带过 心里却一直重复 董小姐 鼓楼的夜晚时间匆匆 陌生的人 请给我一支兰州 所以那些可能都不是真的 董小姐 你才不是一个没有故事的女同学 爱上一匹野马 可我的家里没有草原 这让我感到绝望 董小姐 董小姐 你熄灭了烟 说起从前 你说前半生就这样吧 还有明天 董小姐 你可知道我说够了再见 在五月的早晨 终于丢失了睡眠 所以那些可能都不是真的 董小姐 你才不是一个没有故事的女同学 爱上一匹野马 可我的家里没有草原 这让我感到绝望 董小姐 所以那些可能都会是真的 董小姐 谁会不厌其烦的安慰那无知的少年 我想和你一样 不顾那些所以 跟我走吧 董小姐 躁起来吧 董小姐 扩展资料 《董小姐》是宋冬野创作并演唱的歌曲，收录在摩登天空2012年12月27日发行的合辑《摩登天空7》中 。

《董小姐》创作灵感来源于宋冬野身边一名姓董的摄影师朋友的情感故事 。那时董老师爱上一个人，宋冬野在听了董老师的情感经历后，内心有感而发，把她的情感故事做了一个总结 ，于是创作出了这首歌词和旋律都很简单让人容易记住的歌曲。

参考资料 百度百科-董小姐。

纯音乐音乐鉴赏如何写？

音乐鉴赏课更是一门“听”的艺术。

什么样的音乐都离不开“听”。“听”是一种音乐作品，我们既要在听的进程中让感官得到愉悦，又要使精神得到升华，感性和理性进行完美的结合才是我们“听”的根本意义所在。

因此，要达到欣赏音乐的真正目的，就不能把对音乐的欣赏停留在表面上、感官上进行。而应该深入到乐曲的音响结构及各种形式因素上去。

也只有这样才能准确地把握音乐作品的“内涵”，真正地听懂音乐。要做到这一点，首先应对一部音乐作品反复地听。

多听是培养音乐鉴赏能力的关键。我们的双耳不仅在认识世界，改造世界的实践活动中发挥作用，而且还要具很强的审美感受能力，这一能力与生俱来，反复地听，会给我们的听觉制造接触音乐的机会，我们的音乐听觉就会得到发展。

同时，音乐具有很强的时间性，构成音乐作品的那些音响瞬间即逝，这些声音以单音或多音组合的方式，先后展现给我们的听觉。多听，大脑中的记忆就会把听觉中的印象慢慢综合起来。

听的次数越多，印象越深，印象越深我们对音乐作品的感性体验也就越深。所以，提高了音乐的记忆力，欣赏音乐的能力就有了较大的进步。

现在的高中音乐鉴赏课涉及到不同国家不同民族，不同风格，不同流派，不同层次的音乐，我们在欣赏中提高，在比较中进步，在音乐中感受。其欣赏价值，文化价值都是不容忽视的，广泛地汲取人类一切音乐文化成果中的养分，不断地拓宽我们的听觉的感受领域，是提高和完善我们音乐欣赏能力的一个重要方面。

音乐鉴赏是学生在听觉感知，情感体验，想象联想，创造性思维等心理活动融为一体的音乐审美实践活动。学生的审美能力就是在这种独特的艺术活动过程中培养和熏陶出来的。

当前，新课改的要求是要让学生去实践获得真知。所以，我们老师应该让学生自己多实践发挥他们的想象力和创造力。

能够自己欣赏作品并能够评价作品。老师在其中只不过起着引导作用。

记得前些年，社会上流行的低浅音乐，低级趣味较浓的流行音乐，甚至是庸俗不堪的音乐或是些“狂歌”等一些格调不高的、艺术性差的音乐，使正在成长发育的学生误以为这是“音乐艺术的时代性”，而那些优美的，艺术性高的抒情歌曲在学生看来总是平淡无味，深入不下去。那么，培养学生的音乐鉴赏能力，关键是要使学生划清真善美与假恶丑的界限，掌握分辨是非的标准。

一部音乐作品，如果学生要有能力去评价判断它的社会价值及艺术价值，学生就必须能够从音乐作品的题材、内容、体裁、风格等方面分辨出什么是美和什么是丑的。因为这是衡量音乐作品的社会价值和艺术价值的基础。

因而学会这些，只有通过音乐欣赏课这条途径，并且把研究音乐作品的题材、内容、体裁、风格、情绪、曲式等表现手段这一环节作为音乐欣赏教学中提高学生审美能力的关键环节，使学生掌握有关的知识、技能，深入地认识音乐作品的内容美、形式美、情绪美、表现美，进而提高学生的音乐鉴赏能力和评价能力。

音乐鉴赏论文3000字,任何类别都可以

音乐欣赏论文选

经过上音乐欣赏选修课我 对音乐有了新的认识，以及音乐的发展史。马克思说过：“对于不懂音乐的耳朵，最美的音乐也没有意义。”这说明，如果学生缺乏必要的音乐欣赏能力，那么，音乐的美感就不能为学生所感受，音乐本身也会黯然失色。

我爱音乐，如果说书籍是人类精神食粮，那么音乐就是耳朵的食粮。激动时，它使你感到温馨；焦躁时，它使你安详，苦闷时，它使你豁达、开朗；悲伤时，它使你振作。我愿在音乐中成长，脱去一切的伪装，卸下繁重的行囊，洗尽铅华，依偎在她博大而温暖的怀抱中。往日，音乐使我远离孤独，摆脱空虚。每当一个人悠闲无事的时候，我喜欢安静地靠在椅子上，细细地聆听莫扎特的《小夜曲》、舒曼的《梦幻曲》……合上双眼，随着高高低低的音符放飞自己的思绪。每当一曲终了，心中早已填满了惬意和满足。我喜欢听古典的钢琴曲，那晶莹透亮的声音，清脆而又不单调，它饱含了人性的温暖和母性的慈爱，仿佛使我找到了心灵藉以避风的港湾。每一支精致的曲子，犹如山涧清溪潺潺流淌，总能令我感到心旷神怡，那种感受真能以“起舞弄清影，何似在人间”来形容。

在这繁忙的大学课程中我很有幸的报了《音乐欣赏》这门选修课程。能够听他上《音乐欣赏》可真是万分的荣幸。我们的课程是在浙江艺术学校上的，艺校本来就是以音乐为主的学校.而且我们在艺校最好的欣赏教室上，那有优秀的设备能让我们听到最好的音效。我真的感到很幸运有这次机会。

以往我听音乐只是在那欣赏那乐器发出来的旋律和节奏，根本就不知道原来音乐里面还有着情节和感人的故事，听了张明老师的讲课后我才知道原来听一曲音乐里有这那么多的知识，上了几节课后我感觉自己现在听音乐和以前完全不一样了，就感觉自己好像也是学音乐的专业学生一样，在欣赏歌曲时有着和普通人不同的理念，比普通人高一层境界。就拿今天老师给我们听的《梁祝》来说吧，以前就如老师所说的就会听那段高潮部分根本就没在意那里面的内涵和动人的爱情故事。而现在就不一样了

步入高等学府，继续着我的又一学习阶段，头一次接触了〈〈音乐欣赏〉〉，颇觉新鲜。竟脱离了一部分初中时的单调乐理知识，进入音乐欣赏的世界，倍感舒适，犹如置身于不同时代，不同环境中，使人的情绪也为之感染。

热爱音乐，其实这是人类的通性，人们因音乐而产身产生共鸣。我一直在想，到底是谁发明了这神奇而又美妙的音乐呢？是谁奏出了第一个音符呢？他是最伟大的发明机发明家。无论你在何时何地，无论你是白种人，或是黑种人，只要你懂得音乐，世界是属于你的。当然，我也属于爱乐人的一分子。

〈〈音乐欣赏〉〉的第一课是从中国民歌开始的，中国地大物博，中国的56个民族中，出现了不少民歌。民间音乐是人们在生活、劳动、节庆、娱乐中需要表情达意，随即产生了各种口头创作或即兴创作并广为流传的民间音乐。民间音乐作品在流传过程中不断得到演唱（奏）者的即兴加工，从而产生许多变体与体裁样式，使其巧妙的与本地域文化相适应，它是群体创造的成果。

我对江南小调、内蒙古以及西藏等地的民歌较为欣赏，也许是与我喜欢那里的地域风情、文化有关吧！虽然两种民歌由截然不同的地域文化创造形成，却各具风味。例如：江南小调中的〈〈茉莉化〉〉，曲调优美，舒缓，听来细致，动听，符合江南人的生活色彩。而内蒙古以及西藏等地的民歌听来粗犷，神秘，让人联想到了蓝天白云，骑马驰骋一望无际的碧绿草原上，望着两旁星星点点分布着的羊群，真有“风吹草低见牛羊”的意境，宛如看到了大自然创造的一幅无与伦比的杰作。听着音乐，不仅感叹起音乐的伟大，造物主的神奇！

在今后的学习中，我相信我会有更多机会欣赏到世界各地的音乐，能够通过音乐了解到更多地域文化知识，让我们一起来步入音乐的创造的奇妙世界，感受音乐的神奇魅

音乐鉴赏论文

高中音乐鉴赏课之我见

音乐鉴赏课更是一门“听”的艺术。什么样的音乐都离不开“听”。“听”是一种音乐作品，我们既要在听的进程中让感官得到愉悦，又要使精神得到升华，感性和理性进行完美的结合才是我们“听”的根本意义所在。因此，要达到欣赏音乐的真正目的，就不能把对音乐的欣赏停留在表面上、感官上进行。而应该深入到乐曲的音响结构及各种形式因素上去。也只有这样才能准确地把握音乐作品的“内涵”，真正地听懂音乐。要做到这一点，首先应对一部音乐作品反复地听。多听是培养音乐鉴赏能力的关键。我们的双耳不仅在认识世界，改造世界的实践活动中发挥作用，而且还要具很强的审美感受能力，这一能力与生俱来，反复地听，会给我们的听觉制造接触音乐的机会，我们的音乐听觉就会得到发展。同时，音乐具有很强的时间性，构成音乐作品的那些音响瞬间即逝，这些声音以单音或多音组合的方式，先后展现给我们的听觉。多听，大脑中的记忆就会把听觉中的印象慢慢综合起来。听的次数越多，印象越深，印象越深我们对音乐作品的感性体验也就越深。所以，提高了音乐的记忆力，欣赏音乐的能力就有了较大的进步。

现在的高中音乐鉴赏课涉及到不同国家不同民族，不同风格，不同流派，不同层次的音乐，我们在欣赏中提高，在比较中进步，在音乐中感受。其欣赏价值，文化价值都是不容忽视的，广泛地汲取人类一切音乐文化成果中的养分，不断地拓宽我们的听觉的感受领域，是提高和完善我们音乐欣赏能力的一个重要方面。

音乐鉴赏是学生在听觉感知，情感体验，想象联想，创造性思维等心理活动融为一体的音乐审美实践活动。学生的审美能力就是在这种独特的艺术活动过程中培养和熏陶出来的。

当前，新课改的要求是要让学生去实践获得真知。所以，我们老师应该让学生自己多实践发挥他们的想象力和创造力。能够自己欣赏作品并能够评价作品。老师在其中只不过起着引导作用。记得前些年，社会上流行的低浅音乐，低级趣味较浓的流行音乐，甚至是庸俗不堪的音乐或是些“狂歌”等一些格调不高的、艺术性差的音乐，使正在成长发育的学生误以为这是“音乐艺术的时代性”，而那些优美的，艺术性高的抒情歌曲在学生看来总是平淡无味，深入不下去。那么，培养学生的音乐鉴赏能力，关键是要使学生划清真善美与假恶丑的界限，掌握分辨是非的标准。一部音乐作品，如果学生要有能力去评价判断它的社会价值及艺术价值，学生就必须能够从音乐作品的题材、内容、体裁、风格等方面分辨出什么是美和什么是丑的。因为这是衡量音乐作品的社会价值和艺术价值的基础。因而学会这些，只有通过音乐欣赏课这条途径，并且把研究音乐作品的题材、内容、体裁、风格、情绪、曲式等表现手段这一环节作为音乐欣赏教学中提高学生审美能力的关键环节，使学生掌握有关的知识、技能，深入地认识音乐作品的内容美、形式美、情绪美、表现美，进而提高学生的音乐鉴赏能力和评价能力。

音乐鉴赏论文800字

非洲音乐之魂——鼓 黑非洲指的是撒哈拉沙漠以南的非洲，这里居住的大多为黑人。

鼓是黑非洲普遍流行的乐器，又被称为非洲传统音乐之魂。 鼓的功能和用途在非洲是多种多样的，除了用于音乐外，有时还是民族、部落或宗教的象征，或用来传递各种信息，即所谓“会说话的鼓”。

非洲鼓具有自己的民族特色，无论是制鼓的材料、形状和演奏技巧都是独特的。 一般说来，在非洲存在几十种基本鼓型和数百种鼓的变形。

鼓，大如水缸或小如茶杯。鼓身的形状既有陀螺形、圆锥形、台柱形、正方形的，还有各种飞禽走兽形的，甚至还有人形的。

有的鼓身上还画上各种几何图形，雕刻花草、人兽，突出了黑人文化的特色。鼓皮也是多种多样的，除常用的牛皮、羚羊皮外，还采用豹皮、斑马皮、蜥蜴皮、鳄鱼皮，甚至还有大象的耳朵。

在非洲鼓上还常常增加一些装置，以获得某些特殊的效果，如在鼓腔内装一些珠子或干的植物种子，或将金属片、贝壳，色彩斑烂的串珠装在鼓边上，当鼓手击鼓时，就会发出叮叮当当的声音。持鼓的方式也很多样，把鼓置放在两腿中间很常见，有时也把鼓夹在腋下，或挂在颈上，挎在肩上。

击鼓的手法也很多，人们在鼓的各种部位用拳头、手掌拍打，甚至还有用脚后跟击鼓，从而奏出不同的音响和效果。也有用鼓锤敲击的，过去曾经用象牙、人骨做过鼓锤。

还有一种用小棍子磨擦喷有某种粉末的鼓皮而发声的磨擦鼓。在尼日利亚有一种夹在腋下演奏的小鼓，随着手臂对鼓身皮条的压力大小，鼓的音高可以随时变化。

鼓的演奏方式有独奏、重奏和合奏。独奏和重奏鼓的节奏复杂多变，抑扬顿挫、铿锵有力。

集体击鼓或一个人同时击多只鼓时，鼓声气势磅礴，有如万马奔腾，雄壮激越。在非洲人的生活中，舞蹈是不可缺少的，而舞蹈又离不开鼓。

在东非的斯瓦希里语中，“鼓”和“舞”是同一个字。在多哥的歌舞活动中，何时奏乐，何时起舞，以至于节奏的快慢、旋律的进行都要听从大鼓的指挥。

毛里塔尼亚的的女鼓手则是边舞边击鼓，她们时而用手指轻弹鼓皮，如行云流水，时而猛烈敲击，如江河奔腾。她们一面击鼓，一面用双手轮流拍打臂、腿，作出各种姿态，非常动人。

又如在布隆迪，10名男舞蹈演员头顶大鼓，边敲边上场，围成半圆形，然后演员们各自取下大鼓，放在面前。在圆圈中再放上另一面大鼓，由演员们轮流上前击奏。

他们时而凌空跳跃，时而旋转舞蹈，并且伴以歌唱，强烈的节奏、密集的鼓点、热烈狂欢的场面，十分精彩。 鼓在非洲常常还作为国家、民族的象征。

如在乌干达的国徵中就有一面鼓，它表明了一种古老的传统。因为乌干达在成为共和国前，为四个王国，每个王国的王室都有一套大小不同的鼓，各有不同的名称和音色。

这种鼓只有王室的婚丧嫁娶、新王登基、对外宣战时的隆重场合才能使用。对属于不同权力等级的人来说，鼓的数字是有规定的，在原布干达王国，巨大的仪式性的鼓，国王有93个，各级酋长依此递减，在换鼓皮时还要用人或动物作牺牲。

这种鼓是当作神物来尊崇的。 非洲鼓还常用来传递信息和语言，鼓手用不同的力度、敲击鼓面的不同部位，能发出各种不同的音响，加上急缓有别的节奏，形成各种各样的鼓点，作为一种信号语言，来传送各种信息。

在清晨、傍晚比较安静的时刻，鼓声可以传到15公里以外，鼓手们一个接一个地重复着鼓声，这样可以用惊人的速度准确地传“话”--一百英里以外的的地点可以在两小时内达到。过去，当奴隶贩子捕捉黑人时，非洲人就通过鼓语通知人们迅速逃离，使奴隶贩子一无所获。

鼓语还常常用来号召人民参加公益劳动、抵御敌人来犯、报告火警等。 非洲人还常用鼓励来表达不便用语言表达的事物，如加纳的阿肯人，丈夫习惯在舞会上用鼓语赞美自己的妻子，鼓语还可用来宣布一个人的出生、死亡和婚姻。

在非洲的许多地方，每隔一段时间就要举行一次评选鼓手的集会。在加纳举行的“赛鼓会”上，鼓手们分为两组擂鼓对阵。

先用明快、热烈的鼓声颂扬酋长的美德、功绩，然后用徐缓、清新的鼓点叙述远古的神话、传说，接着又用急骤的鼓点宣布族内的新闻趣事。鼓声中复杂多变的节奏表达出人们各种不同的感情，时而使人悲愤填膺，时而引人开怀大笑，人们屏息凝神，就怕漏听一个鼓点。

“赛鼓会”的高潮是“斗鼓”。先由一组鼓手提出问题，另一组必须用鼓点回答并提出反问，否则就算输。

观众们则围在鼓手旁帮助出谋划策，参战助威，想方设法击败对方。 总之，非洲音乐中最突出、最主要的因素是节奏，鼓正是非洲音乐节奏的基础及表达音乐语言的一种最重要乐器，鼓在非洲人民生活中的重要地位是任何其他乐器无法比拟的。

在非洲的各种鼓中，最常用的是一种被称为达姆达姆的中等尺寸的鼓，它一般被置于双腿中间用手敲打，演奏常常带有很强的即兴性。近年来，非洲鼓也已进入了专业音乐创作领域。

非洲津巴布韦的作曲家多米沙尼？？马拉里在1990年创作的“诺兹波妈妈”就是用非洲鼓与弦乐四重奏一起演奏的新作品，由世界著名的科诺斯四重奏组演出，效果很好。

要一篇音乐鉴赏论文,2000字左右

指点梅花曲皆无，扶醉且听梁祝。

“指点梅花曲皆无，扶醉且听梁祝。”当拨起《梁祝》这断魂的琴弦，心从来没有过的感动、悲凄、落泪、无奈···唯有这凄凉的琴声还能告诉现世的世界，爱情是存在的。

毋庸怀疑，在每个人的心底都藏着一个永挥不去的影子。即使点点的怀念也是爱的心情。

高一时，音乐鉴赏课，老师播放《梁祝》的《十八相送》轻音乐给我们听时，只记得，我昏昏欲睡，吵嚷着要放流行音乐。依稀只记得了3部分，第一部分——读书时期。

第2部分——提亲，抗婚。第3部分——化蝶。

真怪当时没认真听课。 而真正意义上的静心欣赏却是在大学音乐鉴赏的课堂上。

很庆幸，今年学校开了音乐鉴赏课，而更有幸的是，能在老师的穿针引线的指导下，我不至于欣赏得一塌糊涂。现在再听到此曲，“感觉此曲只应天上有，人间更得几回闻。”

心随弦在拨动，爱与誓言在交汇。“无言到面前/与君分杯水/清中有浓意/流出心底醉/不论冤或缘/默说蝴蝶梦/还你此生此世/今世前世/双双飞过万世千生去/不论冤或缘”词曲合并，天衣无缝。

泪在心中，恨在泪里。 《梁祝》吸取了越剧中的曲调因素，是一部小提琴协奏曲。

作者将故事的主要情节概括为乐曲三个部分音乐表现的内容，将这三个部分融于欧洲传统奏鸣曲式的结构框架之中：草桥结拜，英台抗婚和坟前化蝶作为乐曲的显示部，展开部，再现部的内容，表现了青年男女对爱情忠诚和对封建礼教的控诉，最后的化蝶的描写，极富于浪漫色彩，可谓全曲的点晴之笔并以浙江的越剧唱腔为素材、成功地将我国民族音乐与西方作曲技法融为一体，用音乐的形式艺术地再现这一动人的故事。 作品取材于中国民间故事“梁山伯与祝英台”。

故事情节：4世纪中叶，在我国南方的农村祝家庄，祝员外的女儿祝英台，女扮男装去杭州求学。在那里，她与纯朴、憨厚的穷书生梁山伯同窗三载。

当学业结束分别时，祝用各种美妙的比喻向梁倾吐蕴藏已久的爱情，但梁山伯却没有领悟。一年后，梁得知祝是个女子，便立即向祝求婚，但祝家嫌梁家境贫穷，而把祝英台许配给了一个豪门子弟——马大守之子马文才。

由于得不到自由婚姻，梁不久便抑郁而死。祝英台闻此不幸，悲痛万分。

在送亲的途中，她来到梁的坟墓前，向封建礼教发出了血泪控诉！此时坟墓突然裂开，祝毅然投入坟墓之中，遂化为一对彩蝶，在花丛中双双飞舞 显示部：相爱 引子： 轻柔的弦乐泛音引出长笛带华彩的引子，上下跃动的八度大跳轻盈、活泼，双簧管的优美旋律，描绘风和日丽、乌语花香的明媚春光。 主部： 爱情主题――在轻澈的竖琴伴奏下，由独奏小提琴奏出“爱情主题”，它由越剧唱腔的典型音调演化而来，纯朴、优美、动情，表现梁山伯与祝英台甜蜜而美好的爱情。

草桥结拜――大提琴与小提琴对答，情意融融，比拟主人公漫步于草桥亭畔，结拜手足的情景。 主题再现――乐队全奏的爱情主题，进一步表现了梁山伯与祝英台之间的真挚友谊和深厚情歌。

连接部： 这是在钢琴衬托下小提琴演奏的华彩段，表现人物内心的喜悦和爱慕之情。 副部：副部是活泼的小快板，回旋曲结构。

表现梁、祝同窗三载、共读共玩的情趣。回旋曲主部主题来自于越剧音乐，欢悦、嬉戏的音调与舞蹈性节奏的伴奏。

第一插部采用独奏小提琴先后与木管、弦乐相互模仿的竞奏形式。第二插部情绪更为活跃，尤其是独奏小提琴模仿中国乐器古筝的演奏，富有弹性的节奏、灵活跳动的音符和起伏波荡的旋律线条，生动地描绘了主人公相互追逐嬉戏的动态和神情。

结束部：慢板，由爱情主题的音乐材料引申而成。小提琴与大提琴缠绵的二重奏，表现梁、祝“十八相送”，依依惜别的情景。

展开部：抗婚 抗婚：沉重的大管和大提琴齐奏及低沉的大锣作为悲剧的预示，造成惶惶不安的气氛。象征残暴的封建势力的主题，以中低音铜管齐奏为主体的低音线条，用粗暴的音色奏出，威严、冷峻而凶狠。

接着是小提琴用散板双弦演奏的激昂音调，表现出祝英台的痛苦与激愤；象征祝英台抗婚的主题由小提琴演奏，作曲家借鉴中国乐器琵琶的扫弦技巧，用强烈的切分节奏，生动地表现了反抗者的精神和形象。接着，“抗婚主题”与“封建势力主题”交替出现，将音乐推向第一个矛盾冲突的高潮，描述祝英台激烈的抗婚场面。

楼台会：由小提琴及长笛奏出梁、祝“楼台相会”、互诉衷肠的哀伤的慢板主题。接着是独奏大提琴和小提琴的对答，动情的复调旋律表现一对深爱的主人公生离死别的伤感，如泣如诉、感人挚深。

哭灵投坟：音乐转为急板，情绪急骤变化，悲愤的音调、紧张的节奏，形成了展开部的第二个音乐高潮。在这里，作者借用我国京剧中紧拉慢唱的形式，表现祝英台在梁山伯的坟前向苍天哭诉的情景。

在独奏小提琴奏出带华彩意味的一个音乐绝句后，由弱至强的打击乐推出乐队全奏，象征祝英台“哭灵投坟”，纵身自毁的形象，全曲的戏剧矛盾达到顶点。 再现部：化蝶 再现部省略了副部：在宁静的音乐气氛中，飘逸的长笛旋律和竖琴的刮奏创造了一个幻想的仙境。

加弱音器的小提琴再现了爱情主题，钢琴奏出流水般的晶莹音响，弦乐群轻盈的拨奏扑。

像董小姐一样的音乐

民谣歌曲，宋冬野唱得很好

也可以考虑清吧里放的歌，那种风格会不错。（清吧就是以轻音乐为主、比较安静、没有DISCO或者热舞女郎的那种酒吧。适合谈天说地、朋友沟通感情、喝喝东西聊聊天的。相反的说法有很多，如热吧、酒吧。）

《摩登天空7》中《董小姐》、 《《佛祖在一号线》、《鸽子》等。

《悲了伤的老王》《远见西山》《水果店的老板娘》《就在不远的2013年》《梦遗少年》《莉莉安》《老二》《安和桥》《连衣裙》《斑马，斑马》

专辑《雪泥鸿爪》：

1.《城市说》2. 《抓住那个胖子》3. 《年年》4. 《老宋》5. 《佛祖在一号线》6. 《嘿，裤衩 儿》7. 《来去诗》8. 《地铁钻出地面的时候》9. 《六月末》10. 《雪泥鸿爪》11. 《年年（钢琴 曲）》