画展评语

1.幼儿画展情况评价孩子的话小班的这个问题孩子会怎么说

1） “做完作业再玩，不是玩得更开心吗？”——积极引导贪玩的孩子学习上用功

2） “只要努力，下次就一定能考好。”——正确对待考试成绩不好的孩子

3） “你将会成为了不起的人！”——激励会在孩子身上产生神奇效应

4） “别怕，你肯定能行！”——鼓励是孩子最大的精神支柱

5） “只要今天比昨天强就好。”——赞美孩子的每一点进步

6） “有个女儿真好！”——父亲要多多肯定和赏识儿女

7） “你一定是个人生的强者！”——鼓励孩子勇敢地面对困难

2.评价一幅画的专业用语

其实看一副画就是看一个人！作者是怎样的人画就是怎样的画，俗话说：“画如其人” 看画首先要从远处（大概在10米）先观其全，后观其细。

因为出众的作品会在远处呈现一种强烈的震撼力及吸引力，让人不自然的走向它。只要你第一感觉它在你眼里那么就已经成功了一半，它便是你所想的作品了。

其次观其细，如何观其细呢。在常人认为会去观察它的笔触、构图、造型等。

这些都没错，但是如果是根据个人而言就着重予自己需要的是那方面去观察，比如你很需要学习作者的用笔，就可以细看他用比的走向、力度、方式等。其实细者易糊，因专入时会让周围美好的东西溜走，而让你错失更好的学习机会。

这并不是不让你专，而是要专其精而求其全。这样你会对一副作品多少产生些感情，从而让你喜欢上它。

choco_zmf 其实你已经拥有了对怎样欣赏一副画的能力，就是你知道自己不知道怎么去欣赏。这是值得高兴的。

扬长避短，修其短发其扬。这就是你值得骄傲的地方。

顺便给你点最直观的建议，就是多去欣赏大师作品。多去看画展，这会让你受益匪浅的。

3.评价一幅画的专业用语

其实看一副画就是看一个人！作者是怎样的人画就是怎样的画，俗话说：“画如其人” 看画首先要从远处（大概在10米）先观其全，后观其细。

其次观其细，如何观其细呢。在常人认为会去观察它的笔触、构图、造型等。

这并不是不让你专，而是要专其精而求其全。这样你会对一副作品多少产生些感情，从而让你喜欢上它。

choco_zmf 其实你已经拥有了对怎样欣赏一副画的能力，就是你知道自己不知道怎么去欣赏。这是值得高兴的。

扬长避短，修其短发其扬。这就是你值得骄傲的地方。

顺便给你点最直观的建议，就是多去欣赏大师作品。多去看画展，这会让你受益匪浅的。

4.如何评价美术作品

一般要大量了解美术历史，画派还有画家。还可以从音乐、文学等多方面来了解和提高自己的抽象思维。

对我们学画的人来讲，从技巧和笔法上评论画多少有些困难，但从意境和作者透过作品想表达的心情来讲，我们还是有优势的，有时鉴赏评论不仅仅局限在知识的层面上，从你第一眼看到画的反映开始联想，你也能得到很多启示，只要对画有一点感想，就大胆的想象延伸下去，慢慢培养，总有一天你会形成自己的赏画标准。

另外，多和其他画画的人交流，也是提高美术素养的途径。

祝你早日成功。

5.怎样给学生的绘画作品写指导性评语

在美术活动中，对学生作品的评价是不可缺少的一环节，因为老师适当的评价能有效激发学生的绘画兴趣和积极性，使学生感受到自己的进步，体验到成功的快乐。

我认为在评价学生作品时应做到以下几点：

一是遵循发展规律。

学生绘画有其一定的发展过程，从涂鸦——再现——创造，随着年龄的增长，思维面逐渐扩散，不同时期有不同的特点，评价学生的作品应有不同的方式，教师如果采用不得当，可能会使学生绘画兴趣从此被淹没，影响了今后的正常发展。

二是尊重个体差异。

一个班的孩子，其绘画水平不是一条线，个体差异在任何教育活动中都存在，在绘画中也不例外，有的聪明灵活，有的思维较呆板，绘画作品也就千姿百态。我们要善于发现每个孩子的点滴进步，给予正确的评价，促进整体提高。

三是激励保护的原则。

学生由于年龄小，认识不完整，思维没有定势，因而在绘画中会组成许多非现实的形象和样式。一幅绘画作品，无论成败，教师都应站在保护创造心、自信心的基点上进行恰如其分的评价，既能鼓励学生的发展，又能增强他们对创作、对生活的信心。

另外，教师在辅导学生绘画时，绘画的工具、绘画材料也太过局限，没有充分利用现有资源。大自然赋于我们得天独厚的条件，河里的沙石、大树的叶子、山上的草秸、瓶盖、土豆片。。都可以用来当作绘画的工具与材料。我们要善于利用各种有利条件，合理指导学生绘画，激发学生想象，鼓励他们大胆地表现，让他们在有趣的艺术活动中快乐成长。

6.怎样评价素描作品的价值

“素描是一切造型艺术的基础。”

（当然，在我们今天看来，它已不仅仅是一个基础问题，它也是一门独立的造型艺术。.）其概念有广义和狭义之分，但无论如何都逃避不了“形”的塑造问题。

形状是素描中最重要的元素，没有形状，素描无从谈起，其他造型元素都是依它而生的。绘画中的“形”就其是否比照客观事物而言，又有具象和抽象之分。

那么如何评价素描作品中具象的“形”呢？我想先谈一个很古老的话题：“似”与“不似”。“似”是指画得与客观对象吻合，即“准确”。

但艺术上的“似”与非艺术上的“似”是有区别的。非艺术的“似”是指对客观事物不加选择，不加处理，面面俱到的把形象搬上画面，这样的画面上的“形”是经得起科学检验的，但不一定美，这样的画一定画出了我们所看到的具体的东西，但不一定画出了我们的感受。

正如我们常常看到一幅很令人激动的风景，兴奋之余用相机拍下来的照片洗出来后却平淡无奇。因为相机没有取舍地把所有的东西都暴露了，美与不美的形都堆积了上来。

但实际上当我们觉得一幅风景美的的时候眼睛是有过滤功能的，我们的眼睛很可能并没有在意那些不美的形。我们现在的素描教学中常出现这样的现象：看一些美院学生的画，总有学生基础功底很好，把模特画得很像，也很深入，结构，明暗，解剖各方面关系都对，但整个画面却缺乏美感，没有活力，仿佛一堆堆的死肉摆在那儿，这实际上就犯了这个毛病：把艺术的“似”与非艺术的“似”混淆了，也就是说他实际上还没有学会用正确的“艺术”的眼睛去观察，表现对象。

艺术的“似”是融入了艺术家的感情和处理技巧的，绝不仅仅是形状上的准确。这一点，王华祥先生是很有感触的，甚至提出“将错就错”以达到艺术的“似”。

观意大利文艺复兴时的大师素描，我们在感叹其高超的形体塑造“准确”的能力时，也毫不怀疑那画面是很有美感的，很概括，很轻松，既准确又生动……郭润文先生去年湖南师大讲学时曾给大家看了一张伦勃朗作品幻灯，他重点提醒大家看了一下伦勃朗画里的那双手，单独看那手，似乎画得不很精致也不很准确的，这当然不是伦勃朗能力的问题，而是他有意的处理。但既然艺术的“似”是融入了艺术家感情与处理技巧的，因艺术家有其鲜明的独特个性，故艺术的“似”也是因人而异的，米开朗基罗有米开朗基罗的“似”，凡高有凡高的“似”，毕加索有毕加索的“似”，贾科梅蒂有贾科梅蒂的“似”。

凡高初学画的时候认为自己怎么也画不好石膏像，终于有一天他砸掉了石膏像，他砸得好！他砸掉了一个标准答案，砸掉了一个“似”与“不似”的标准。我这里不是说石膏像不好，对凡高而言，他不需要这种“似”。

今天，我们看他各个时期的自画像，愁眉苦脸的加歇医生，像火焰一样松树，燃烧的麦田，有谁会说他画得不“似”？太“似”了，这是入木三分的“似”呀！由于艺术的“似”是艺术家自己真实感受的表现，很多艺术家为了强化感受，把形状作了一些夸张的处理。于是，艺术上又出现了一个“不似”的概念，在形状上来说，可称之“变形”，如席勒那神经质紧张不安的形，莫迪利阿尼那优雅的形，贾科梅蒂瘦长而虚空的形，博特罗那胖得有点荒谬的形……这样一来，艺术的“似”似乎走到了它的反面，即“不似”。

但我前面讲的那个学生的“变形”与他们相比，有没有价值呢？我们一定不能忽视这个事实：这些艺术家早期素描的写实能力已达到了炉火纯青的地步，他们都有各自特殊的生活经历，有了自己独特的艺术感受，才有了自己的“变形图式”：席勒深受弗洛尹德精神分析说的影响，对人类内心深处的激情和潜意识有极大的兴趣；莫迪利阿尼很多造型是从黑人木雕中嫁接过来；贾科梅蒂认为人是运动的，又是痛苦的，是一群孤独的，失魂落魄朝着不同方向行走的幽灵；博特罗在这个物欲膨胀的社会里感触良深，给自己提出一个假设，一个人的身体是否可以像一只气球那样吹至无限的膨胀……他们的“不似”都是很有创造力的，并不是盲目跟风，为“变形”而“变形”，而是为找到一种适合于自己艺术感受的“表达图式”，其“不似”也即艺术的“似”。这些形也都是很美的，大大拓宽了人们的艺术视野。

而那学生的“变形”显然是缺乏绘画基础和生活基础的。其“变形”只能是模仿，只能是无病之呻吟，或者只是对自己画不好的一种狡辩式的安慰。

再来看看我们现在的美术界现状吧，昨天方力均用原色画了一个大光头，今天，“一批小方力均蓬勃而生，光头，怪相，原色之类。”对于刚结束不久的第三届油画展，有论者认为，那里面的人物造型，女的多画得很妖，男的多画的很怪，缺乏一种健康之美，这是值得大家深思的。

我想我们的素描教学一定要注意好这个问题。现在很多学生搞表现主义，在素描上追求变形，但变得在意味，有美感的太少了。

与西方造型体系不同，中国似乎更重视追求“不似”之美，顾虎头早就提出了“以形写神”说，至东坡居士更云：“论画于形似，见与儿童邻。”的确，中国文人更注重自身内在情感的表达和笔墨情趣，中国美术史上亦留下了很多“变形”的杰作。