1. 求一篇关于诗词的小论文`1000字左右``急需``谢谢了``

——————————————参考一下，网上找到的东西———— 词，从它诞生之日起，便因其独具的文化因子而呈现出特有的柔媚香艳的风格特征。

所谓"词为艳科"，"诗庄词媚"，"诗之境大，词之境狭"等等，都是在强调"词别是一家"，与传统的诗歌不同，婉约派也因此而被视为词坛之正宗。虽然在艳情诗中同样也存在着"浓艳香软"的内容，但"诗庄词媚"的事实却依然存在。

可见问题不在于诗歌是否能写媚艳的内容，而在于诗歌是否具有如同词一样的能够充分展现那种特有的媚艳情趣的"功能"。 结构是功能的积淀。

通过对结构的分析来把握诗词的表现功能，并进而阐释"诗庄词媚"的成因，应是一条有效的途径。 一 在中国古代诗歌中，以整齐的五七言为代表的"齐言"是最典型的形式。

因为它是以整齐规范的外观与灵活多变的内在结构相结合而建构起的既具有稳定的形态又具有活泼的生命的艺术形式。稳定的形态与活泼的生命构成的对立统一正与"中庸"的人生宗旨相一致。

因而它也就成为最能表现中国古代知识分子心态的艺术形式。 在诗歌中，每押一次韵便意味着一个独立的语言单位的获得。

但在中国古代的大部分古体诗歌中，只有四个诗句，即两个韵脚，才能构成一个独立的诗歌结构单位，并在诗歌的整体背景上被"凸现"出来。这是因为：第一，自诗经时代开始，大部分民歌便是以四句歌词为一个独立的结构单位的。

因为这种结构形式最易于被民间歌手掌握。过短，难以表述一个相对完整的内容；过长，则难以驾驭。

文人诗歌从一开始便自觉地继承了这种传统。第二，在远古，歌乐本是一体。

演唱四句歌词的长度正应该是乐曲的基本长度。因而诗歌又必然地要受到乐曲长度的限制，维护从四个诗句为一个结构单位的传统。

第三，通过对比来说明抽象的情感与事物，是远古时期最常见的语言表述形式之一。表现在诗歌中便形成了前二句比兴，后二句叙事或抒情的基本模式。

古代诗大都是以四个诗句为一个单位来结构作品的，而四个诗句往往又能完整地表述一个相对独立的内容，这不仅使得诗歌的内容变得丰厚，而且也使得诗歌的过渡只能在各结构单位之间进行，因而在内容上呈现出较为明显的阶段性。如李白《关山月》： 明月出天山，苍茫云海间。

长风几万里，吹度玉门关。 汉下白登道，胡窥青海湾。

由来征战地，不见有人还。 戍客望边邑，思归多苦颜。

高楼当此夜，叹息未应闲。 形式的规范与内涵的丰厚使得古体诗的风格浑厚典雅，境界阔大。

结构上的鲜明的阶段性又使其难以象散文一样细细地描述事件发展的每一个细节，而只能使抒情成为基本内容。 在格律诗中，绝句本身只有四句，前两句写景或叙事，后两句抒情，或颠倒过来，前两句抒情，后两句写景或叙事，是其基本结构方式。

这正是远古时期通过对比来表述事理与情感的艺术手法的翻版。 律诗则因有对仗的要求而使结构有了变化。

对仗不仅要求上下两句的平仄、词性相对，还要求内容相对，既要能表现一个对象的两个方面或两种特征。这种通过两个方面或两种特征的对举来表现对象的本质的做法，必然会大大增加诗句的容量。

因而律诗可以打破传统的结构方式而以两个诗句为一个结构单位来结构作品，并在起承转合之间，存有明显的阶段性。 二 词诞生于民间，香艳俚俗是其早期特征，后经文人染指，步入艺术殿堂，经历了由俗向雅的转化。

但与南朝、唐代的艳情诗相比，艳情词"俗"的特征仍很明显。 艳情诗受传统诗风的影响，写男女之情重在"雅"，表现的是一种"情趣"和对女性情感的"品味"。

作者与表现对象之间具有一定的距离，近似一种"欣赏"。艳情词则具有很强的世俗色彩，写男女之情重在"俗"，表现的是爱恋的"过程"和对女性体态的"观赏"。

作者与表现对象之间的距离较近，近似一种"把玩"。当然，这只是就整体而言，因为在雅俗之间，往往很难划出一个明确的界限。

雅的情趣是一种心理感受，所以艳情诗可以成功地使用传统的抒情手法来表现其内容。但传统诗歌的结构模式和对仗要求却使得诗风趋于典雅、厚重。

可以用它来写刻骨的相思，却难以用它来表现细腻的爱恋过程与女性体态的婉转流动。即使是南朝的宫体诗也比不上温柳词的婉曲细腻，便是一个证明。

俗的把玩则重在感官感受，所以艳情词追求的是过程与细节的逼真、生动，是对女性体态（包括心灵感受）的细细描摹与层层铺叙。诗歌结构中存在的以四个诗句或一联对仗句为一个结构单位的较为固定的承转模式，对于表现词所追求的内容与风格显然具有较明显的局限性。

因为词的描摹与铺叙非常细密婉曲，很难用一种固定的模式去限定，加上乐曲的限制，词便只能根据内容的需要来重新结构作品。其结构单位因此而变得不再确定。

以贺铸的《薄幸》为例： 淡妆多态，更的的、频回眄睐。便认得、琴心先许，欲绾合欢双带。

记画堂、风月逢迎，轻颦浅笑娇无奈。向睡鸭炉边，翔鸾屏里，羞把香罗暗解。

自过了，烧灯后，都不见、踏青挑菜。几回凭双燕，丁宁深意，往来却恨重帘碍。

约何时再？正春浓酒困，人闲昼永无聊赖。厌厌睡起，犹有花梢日在。

此词为怀人。

2. 浅谈格律诗（一）格律诗是指唐以后的古诗,分为绝句和律诗篇式、句

很好！受用！有功夫以后细琢磨，先备案收藏。

（二）也一并收藏过来，多谢古道楼主！还有（三）吗？ 浅谈格律诗（二） 说到格律诗人们爱讲“一三五不论，二四六分明”，意思是句中的第一、三、五字可以不计平仄，二、四、六字平仄不能含糊。 其实有些句中的第一、三、五字也不能随意平仄，否则，可能出现“孤平”、“三平调”、“三仄尾”等格律诗之大忌。

三平调、三仄尾均须避讳。出现了孤平叫做“拗句”，可以救之，称为“拗救”。

1、孤平 ： 孤平，是指除了韵脚之外，整句只剩一个平声字。 在五言平起平收句： 平平仄仄平 句型中，第一字必须用平声；如果用了仄声字，就是犯了孤平。

七言是五言的扩展，所以在七言仄起平收句： 仄仄平平仄仄平 句型中，第三字如果用了仄声，也叫犯孤平。 注意：犯孤平指的是平脚的句子；仄脚的句子即使只有一个平声字，不算孤平。

2、三平调 在句尾连续出现三个平声，叫做三平调。 这是古体诗专用的形式，做近体诗时尽量避免，而且无法补救。

在五言的仄起平收句： 仄仄仄平平 句型中，第一个字可平可仄，但是第三个字不能用平声字。 同样在七言的平起平收句： 平平仄仄仄平平 句型中，第一三两字可平可仄，但是第五个字不能用平声字。

3、三仄尾 三仄尾指一句的最后三字全为仄声。 五言的平起仄收句： 平平平仄仄 句型中，第一个字可平可仄，但是第三个字不能用仄声字。

七言的仄起仄收句： 仄仄平平平仄仄 句型中，第一三两字可平可仄，但是第五个字不能用仄声字。否则就会在上联出现“三仄尾” 4、拗救 拗救有本句救、对句救、兼句救三种。

本句救一般为第一字拗，第三字救；第三字拗，第五字救。 对句救指对句上下相应处之拗救。

兼句救即一字兼具既救本句又救上句之作用。 一些特殊句式，有拗可以不救。

一般见于绝句之第三句、律诗之第七句。 还须强调的是，拗救只能对句救出句，不能出句救对句。

参考文献：。

3. 诗词格律的起源介绍

平常我们所说的诗词格律，包括了三方面的内容：

一、近体诗的格律

二、词的格律

三、近体诗产生以后古体诗的格律

在唐代，产生了有严格的平仄和对仗要求的今体诗，宋代以后称为近体诗，包括全部的律诗和一部分绝句。由此，就把近体诗产生以前的没有严格的平仄和对仗要求的诗称之为古体诗。而在隋唐时候，由于西域音乐的传入中原，产生了新的音乐形式燕乐，配合燕乐演唱的词则称为曲子词，或者直接叫曲子。曲子词是配乐演唱的，一开始并不太讲每一个字的平仄调配，但后来随着文人的介入，他们把写惯了的近体诗的格律引入到词中去，于是就有了小令词的格律。后来，又有懂得音乐的文人，按照曲子的旋律，选择与之相配合的字，后代文人不懂音乐，或者乐谱失传，只能根据古代这些懂音乐的词人所写的词的平仄，按照平仄来写词，这就是长调词格律的来源。后人为了便于填词，依照古代名作排比归纳，编辑成工具书，叫作词谱。常用的词谱类书籍有清代万树所编的《词律》、舒梦兰所编的《白香词谱》、王奕清编的《钦定词谱》等。比较实用的是现代词学家龙榆生所编的《唐宋词格律》。

近体诗格律的产生，有两种说法，一种是占主流的观点，认为产生于南北朝时期的永明体，另一种观点则认为，近体诗格律来源于佛经翻译文学里的偈颂体式，梅祖麟、梅维恒两位教授在《梅祖麟语言学论文集》498-509页有详细的论述。

近体诗产生以前，古体诗的写法比较自由，除了要求押韵以外，几乎没有什么特别的形式要求。但近体诗产生以后，古体诗在写法上就要刻意避免近体诗的句法，这也可以说是古体诗的格律了。

4. 诗词格律的起源介绍

平常我们所说的诗词格律，包括了三方面的内容：

一、近体诗的格律

二、词的格律

三、近体诗产生以后古体诗的格律

在唐代，产生了有严格的平仄和对仗要求的今体诗，宋代以后称为近体诗，包括全部的律诗和一部分绝句。由此，就把近体诗产生以前的没有严格的平仄和对仗要求的诗称之为古体诗。而在隋唐时候，由于西域音乐的传入中原，产生了新的音乐形式燕乐，配合燕乐演唱的词则称为曲子词，或者直接叫曲子。曲子词是配乐演唱的，一开始并不太讲每一个字的平仄调配，但后来随着文人的介入，他们把写惯了的近体诗的格律引入到词中去，于是就有了小令词的格律。后来，又有懂得音乐的文人，按照曲子的旋律，选择与之相配合的字，后代文人不懂音乐，或者乐谱失传，只能根据古代这些懂音乐的词人所写的词的平仄，按照平仄来写词，这就是长调词格律的来源。后人为了便于填词，依照古代名作排比归纳，编辑成工具书，叫作词谱。常用的词谱类书籍有清代万树所编的《词律》、舒梦兰所编的《白香词谱》、王奕清编的《钦定词谱》等。比较实用的是现代词学家龙榆生所编的《唐宋词格律》。

近体诗格律的产生，有两种说法，一种是占主流的观点，认为产生于南北朝时期的永明体，另一种观点则认为，近体诗格律来源于佛经翻译文学里的偈颂体式，梅祖麟、梅维恒两位教授在《梅祖麟语言学论文集》498-509页有详细的论述。

近体诗产生以前，古体诗的写法比较自由，除了要求押韵以外，几乎没有什么特别的形式要求。但近体诗产生以后，古体诗在写法上就要刻意避免近体诗的句法，这也可以说是古体诗的格律了。

5. 唐诗的发展 论文

唐代（公元618-907年）是我国古典诗歌发展的全盛时期。

唐诗是我国优秀的文学遗产之一， 也是全世界文学宝库中的一颗灿烂的明珠。尽管离现在已有一千多年了，但许多诗篇还是为我们所广为流传。

唐代的诗人特别多。李白、杜甫、白居易是世界闻名的伟大诗人，除他们之外，还有其他无数的诗人，象满天的星斗一般。

这些诗人，今天知名的就还有二千三百多人。他们的作品，保存在《全唐诗》中的也还有四万八千九百多首。

唐诗的题材非常广泛。有的从侧面反映当时社会的阶级状况和阶级矛盾，揭露了封建社会的黑暗；有的歌颂正义战争，抒发爱国思想；有的描绘祖国河山的秀丽多娇；此外，还有抒写个人抱负和遭遇的，有表达儿女爱慕之情的，有诉说朋友交情、人生悲欢的等等。

总之从自然现象、政治动态、劳动生活、社会风习，直到个人感受，都逃不过诗人敏锐的目光，成为他们写作的题材。在创作方法上，既有现实主义的流派，也有浪漫主义的流派，而许多伟大的作品，则又是这两种创作方法相结合的典范，形成了我国古典诗歌的优秀传统。

唐诗的形式是多种多样的。唐代的古体诗，基本上有五言和七言两种。

近体诗也有两种，一种叫做绝句，一种叫做律诗。绝句和律诗又各有五言和七言之不同。

所以唐诗的基本形式基本上有这样六种：五言古体诗，七言古体诗，五言绝句，七言绝句，五言律诗，七言律诗。古体诗对音韵格律的要求比较宽：一首之中，句数可多可少，篇章可长可短，韵脚可以转换。

近体诗对音韵格律的要求比较严：一首诗的句数有限定，即绝句四句，律诗八句，每句诗中用字的平仄声，有一定的规律，韵脚不能转换；律诗还要求中间四句成为对仗。古体诗的风格是前代流传下来的，所以又叫古风。

近体诗有严整的格律，所以有人又称它为格律诗。 唐诗的形式和风格是丰富多彩、推陈出新的。

它不仅继承了汉魏民歌、乐府传统，并且大大发展了歌行体的样式；不仅继承了前代的五、七言古诗，并且发展为叙事言情的长篇巨制；不仅扩展了五言、七言形式的运用，还创造了风格特别优美整齐的近体诗。近体诗是当时的新体诗，它的创造和成熟，是唐代诗歌发展史上的一件大事。

它把我国古曲诗歌的音节和谐、文字精炼的艺术特色，推到前所未有的高度，为古代抒情诗找到一个最典型的形式，至今还特别为人民所喜闻乐见。但是近体诗中的律诗，由于它有严格的格律的限制，容易使诗的内容受到束缚，不能自由创造和发挥，这是它的长处带来的一个很大的缺陷。

这是唐诗繁荣的准备时期，重要诗人有被称为“初唐四杰”的王勃、杨炯、卢照邻、骆宾王，此外还有陈子昂、沈佺期、宋之问等。唐代建国初的诗歌仍沿着南朝诗歌的惯性发展，柔靡纤弱，毫无生气。

“四杰”的出现开始转变了这种风气。他们才气横溢，不满现状，通过自己的诗作抒发愤激不平之情和壮烈的怀抱，拓宽了诗歌题材。

如杨炯的《从军行》： 烽火照西京，心中自不平。 牙璋辞凤阙，铁骑绕龙城。

雪暗雕旗画，风多杂鼓声。 宁为百夫长，胜作一书生。

这种激扬豪迈的格调，为唐初诗坛吹进一股新风。诗中表现了青年人不甘寂寞，想投笔从戎，到边疆建功立业的热望。

宁可做个低级军官（百夫长），也不想作书生老死窗下。继“四杰”而起的是陈子昂，他从理论上对南朝以来衰弱的诗风提出批评，认为这类诗专门玩弄华丽的辞藻，内容空虚，抛弃了《诗经》重视思想性的传统。

对此他耿耿于心，提倡学习“汉魏风骨”，恢复建安时代的诗风。他的38首《感遇》诗实践了自己的主张，影响很大。

他的《登幽州台歌》：“前不见古人，后不见来者；念天地之悠悠，独怆然而涕下。”苍凉辽阔，哀而不伤，被认为是怀古诗的绝唱。

韩愈曾说：“国朝盛文章，子昂始高蹈”，评价了他在唐诗发展中的重要作用。沈佺期、宋之问的贡献主要在诗歌格律方面。

他们总结了“永明体”以来诗人们探索诗歌格律的成果，以自己的诗作，促进“近体诗”最后定型。 鉴赏唐诗，首先要对“近体诗”和“古体诗”的分别有个概要的了解，掌握它们各自的特点，就能更好地领略其妙处。

古体诗，又称古诗或古风。这个概念和通常说的“古代诗歌”不同，是专用名词，专指唐代以前流行并在唐代继续流行的一种诗体，和唐代形成的近体诗相对存在。

古体诗的特点是：每篇句数不限，每句字数不限，可押韵也可不押韵，押韵也可换韵，句与句间没有平仄对应和用词对仗的要求。一句话，古体诗格律上比较自由，同近体诗在格律上有极严格的要求不同。

古体诗分两大类：五言古诗和七言古诗（或简称五古和七古）。此外还有句式长短不齐的古诗，一般归入七古。

有的古体诗句数、字数和律诗相同，但用韵、平仄和对仗都不同于律诗的要求，所以仍是古诗。上文讲到的《古诗十九首》及陶渊明等人的诗都是古诗。

近体诗，又叫今体诗（“近”和“今”都是就唐代而言的），讲求严格的格律。近体诗有四项基本要求：一是句数、字数有规定；二是按规定的韵部押韵；三是上句和下句各字之间要求平仄对立和相粘；四是规定某些句子之间用词要对仗，即名词对名词，动词对动词，形容词对。

6. 诗词对联论文

〖 规则 〗 近体诗平仄组合的规律主要又三条： 1、同句交替： 以五言为例，凡第一个节奏用“平平”，则第二个节奏必须用“仄仄”，第三个节奏又要用“平”，反之，第一个节奏用“仄仄”第二个节奏必须用“平平”，第三个节奏就要用“仄”。

七言诗则依此类推。是为组句规则。

2、上下句相对： 如出句为“平平仄仄平”，对句就要为“仄仄平平仄”，出句为“仄仄平平仄”对句就要为“平平仄仄平”，七言依此类推。是为组联规则。

3、上下联之间平仄要相“粘”，即相同，是为组篇规则。何谓上下联？ 近体诗中绝句只有四句，不存在上下联。

律诗八句，每两句为一联，每诗四联。例如： 春望 （杜甫） 国破山河在， 仄仄平平仄， 城春草木深。

平平仄仄平。 感时花溅泪， 平平平仄仄， 恨别鸟惊心。

仄仄仄平平。 烽火连三月， 仄仄平平仄， 家书抵万金。

平平仄仄平。 白头搔更短， 平平平仄仄， 浑欲不胜簪。

仄仄仄平平。 第一二句为“首联”，三四句为“颌联”，五六句为“颈联”，七八句为“尾联”。

每联之内，平仄相对，上下联之间，平仄相粘（即相同），这就是一首格律诗的平仄排列规则。平白了这三个规则，一首诗的平仄格式就很容易推算出来了。

也许你一时还难以明白，那就先别理这些，西风已经将常见的集中格式排列出来放在 下面 供您直接套用即可。 另外，如果你已经能分辨平仄，会发现上面所列的平仄格式与例子中的平仄不完全符合，在仔细看看，原来粗体字的位置的平仄有所出入，如第三句“感时花溅泪”，按规则应为“平平平仄仄”，但首字“感”是个仄声字，这不是没有依照格律吗？不是的，这里涉及了近体诗的另一个重要规则： “一三五不论、二四六分明” 实际就是说，每句诗的单数位置的字可以平仄不拘，双数位置的字就要严格使用了。

正如例子中所见，凡平仄“不拘”的字都出现在单数的位置。那么第五个字（七言的第七个字）呢？由于近体诗只能押“平”声韵，故凡要押韵的位置（五言的第五字、七言的第七字）只能用平声字，这是指偶数句而言，根据上下句要平仄相对的规则，奇数句（第一三五七句）末字就要用仄声字。

近体诗另有一个可以变通的地方是第一句的末字，前面说过，首句可以押韵，也可以不押，如果押韵的话，则首句末字也要使用“平”声字。 至此，近体诗的格律规则基本已经讲完，下面归纳出集中最常见的格式供大家创作时参考。

传统标记平仄的方式很多，根据实践，我采用下面这种平仄标记法来标明每种格式的平仄，这种方法在古籍中最常见，十分简洁易记。 标记方法：应该押韵的位置用“红色”表示。

-------------------------------------------------------------------------------- 〖 五绝 〗 五绝即五言绝句的简称，有四种常见格式。 1、仄起仄收（即首句仄起不入韵式）： 如： （例） （标准格式） 登鹳雀楼 （王之涣） 白日依山尽， 仄仄平平仄 黄河入海流。

平平仄仄平 欲穷千里目， 平平平仄仄 更上一层楼。 仄仄仄平平 所谓“仄起仄收”是指首句而言。

因首句首字平仄不限，故又以第二字的平仄为准。“晚”字属仄声，末字“适”也是仄声，是为“仄起仄收”。

二、四句押韵。一般来说，五言诗首句不入韵为常见，七言诗首句入韵为常见。

2、仄起平收（即首句仄起入韵式）： 如： （例） （标准格式） 塞下曲 （卢纶） 林暗草惊风， 仄仄仄平平 将军夜引弓。 平平仄仄平 平明寻白羽， 平平平仄仄 没在石棱中。

仄仄仄平平 所谓“仄起平收”是指首句而言。因首句首字平仄不限，故又以第二字的平仄为准。

“暗”字属仄声，末字“风”是平声，是为“仄起平收”。一、二、四句押韵。

7. 有关诗歌的论文（600~800字）急用

诗歌的大道是生活诗从自然和个人生活元素出发，也从时代特征和精神经验出发，诗歌中有一种东西叫穿透力，它穿透人生、现实、时代。

这种穿透力的东西非常重要，那些能够穿透社会时代、历史时空总和的作品，是诗人所梦想的，它具有博大的力量，但这种穿透力建立在整个人生与时代光亮的跳动之上，所以需要博大的人格与丰富的阅历，否则，就是虚假的视野，难以实现对巨大时空的征服。 于我而言，我仅能努力的是返回到一个人在自己的生存环境中生活的直观面目、本来面目，让自己努力去获得关于当下的生命力的更为清晰的体验。

个人生活是唯一真实的体验，写作不能贬低当下的直接生存体验，它保存或者说汇聚了可以领悟的现存时刻。 接近于诗的本质只有一种，理解自己的生活，植根于生活的直接真切感受，而在这个层面上，我一直以为诗歌的写作是有边界的，时间的边界和空间的边界，也就是人生的边界，人生等同于体验“我在”的时间和空间的某种方式。

很多时候，我对自己写作行为的认可只能在我生存的时间之内，在我存在的历史状态之内，前在的历史和生活与我无关。我有时非常强烈的感到，我的诗歌无法传达在我人生之前的信息，我觉得那会让我失去“我”的本真性。

我尚未拥有感知的资质去配合无限的时空，所以，我无法挑战无限性，我的诗歌视域仅仅在这里，现世、现在、现存。人生而被赋予了时间上的短暂性和空间上的有限性，这是一个非常实际的困境，从这个实际的困境出发，在当下的世界环境中去寻找自我，去体验人生的种种可能性与风险，去达到体验的极值，这可能就是人生的最大可能。

而写作的视域就是时间和空间的视域，一个人的最大可能只能就他在这个世界的存在而言，这是最客观、最可靠也是最诚实的。基于此，我认可诗歌写作的最大视域是个人史的写作，有限的时间和空间范畴最终支配了我们的人生，也支配了我们的写作。

我以为，当那些写下的作品永恒的时候，并不是说作品的时空获得了无限外延，而仅仅是这个作品的震撼力非常强大，它强大得足以使那个时空状态停滞了。把诗歌落实到自己的人生之中，把自己的身份回归或者说降低到自我的真实存在上来，诗就成为我们处于正常状态的视觉、听觉、触觉、感觉，就是我们看到的世界本来的样子，或者，就是这个世界呈现给我们的样子。

接受这个世界呈现给我们的样子，才能回应现代生活加之于我们的各种各样新的多样性体验，才能传达我们对于当下世界的感受能力，我以为这是非常重要的，如果不能抵达当下生活的本质，又怎能抵达今日诗歌的本质。 当然，诗歌的写作不在任何文学范式之下，我这样说也是多余的。